NANDO SUITE MOVIES 2

Una de las razones de esa mezcla es que ahora la mayoría de novelas policiacas que se ven por la televisión, son producidas en Estados Unidos, lugar en el cual se creó la novela negra; sin embargo, aún se conservan los rasgos de análisis y observación de la escuela inglesa, tal vez porque la hacen más interesante.

Analicemos las mejores películas policiacas y de género negro de estos años:

El principiante: Dos policías, uno veterano y con mucho genio, llamado Pulovski, y el otro novato y con problemas personales, llamado Ackerman, deben apresar a los asesinos del primer compañero del policía veterano, pertenecientes a una poderosa organización que se dedica a robar coches de lujo para cambiar sus señas de identidad y venderlos de nuevo. Sin embargo, a pesar de ser distintos, ambos están condenados a entenderse y a colaborar estrechamente para atrapar al cerebro de la banda criminal.

La jungla de cristal 2: El policía del departamento de Los Angeles, teniente John McLane, espera en el aeropuerto de Dulles de Washington a que aterrice el avión en el que viaja su esposa. Mientras tanto, el coronel del ejército Stuart, un militar bien entrando, expulsado del congreso, junto con otros mercenarios profesionales, montan una base de operaciones cerca de dicho aeropuerto, con el objetivo de liberar a un dictador sudamericano derrocado, considerado el mayor traficante del mundo, y que dentro de 58 minutos aterrizará en Dulles en calidad de prisionero político. Stuart anula todos los sistemas que permiten aterrizar a los demás aviones, condenados a permanecer en el aire con el riesgo de agotárseles el combustible. Exige, además, que un Boeing 747 esté a su disposición para huir con el dictador una vez liberado, pero McClane intentará que no prospere.

El silencio de los corderos: El FBI busca a un asesino en serie, apodado Buffalo Bill, que mata a sus víctimas, todas ellas adolescentes, después de prepararlas minuciosamente y arrancarles la piel. Para poder atraparlo contactan con Clarice Starling, una brillante licenciada universitaria, experta en conductas psicópatas, que aspira a formar parte del FBI. Siguiendo las instrucciones de su jefe, Jack Crawford, Clarice visita la cárcel de alta seguridad donde el gobierno mantiene encerrado a Hanibal Lecter, antiguo psicoanalista y asesino, dotado de una inteligencia superior a la normal. Su misión será intentar sacarle información sobre los patrones de conducta de "Buffalo Bill".

Reservoir Dogs: Seis gángsters profesionales son contratados por Joe Cabot (Lawrence Tierney) y su hijo Eddie (Chris Penn) para un trabajo. Ellos no se conocen entre sí y se mantienen en el anonimato, escondidos bajo nombres de colores: Sr. Rosa (Steve Buscemi), Sr. Blanco (Harvey Keitel), Sr. Naranja (Tim Roth), Sr. Marrón (Quentin Tarantino), Sr. Azul (Edward Bunker) y Sr. Rubio (Michael Madsen). Preparan minuciosamente el robo a una joyería, pero la policía aparece inesperadamente en el momento del atraco convirtiéndolo en una masacre. Todo hace sospechar que hay un traidor infiltrado. Reunidos a puerta cerrada en un viejo almacén abandonado, los supervivientes se enfrentan entre sí intentando descubrir quién les ha conducido a esta situación límite. Los únicos nombres que son revelados son el del Sr. Rubio, que es Vic Vega y el del Sr. Blanco, que es Larry Dimmick, debido a que ambos conocían a Joe antes de hacer este trabajo. El del Sr. Naranja también es revelado, el cual es Freddy Newandyk.

Arma Letal 3: Martin Riggs y Roger Murtaugh, la incombustible pareja de policías de Los Angeles, se enfrentan a un difícil caso: armas confiscadas y a punto de ser destruidas han desaparecido de las dependencias oficiales y están llegando a los delincuentes más peligrosos de la ciudad.

Atrapado por su pasado: Carlito Brigante (Al Pacino) es un puertorriqueño, ex convicto por trafico de drogas, que al pasar cinco años en prisión se da cuenta de no querer volver al mundo del hampa, reencontrándose a su paso con viejos amigos como Kleinfeld (Sean Penn) el abogado que hizo posible su salida de la cárcel, Pachanga (Luis Guzmán) a su vez enfrentándose a la sombra de su pasado en un inolvidable personaje llamado Benny Blanco (John Leguizamo) y reafirmando su amor a la hermosísima Gale (Penelope Ann Miller).

El especialista: Un experto en explosivos, antiguo miembro de la CIA, es contratado por una hermosa y misteriosa mujer con objeto de acabar con un grupo de mafiosos que asesinaron a sus padres cuando ella era una niña.

Asesinos Natos: Es violencia y crítica a la violencia en definitiva. Una enamorada pareja de criminales cuya pasión, a parte del amor entre ellos, es asesinar y enorgullecerse de ello superando a sus ídolos como por ejemplo Charles Mandson etc, mientras una sociedad insulsa siente atracción hacia ellos...así se presenta la historia.

El cliente: Un niño ve en los servicios de una estación de autobuses un asesinato. El asesino intenta localizarle ya que además de ser testigo tiene en su poder un botín de un atraco. Una abogada que perdió la custodia de sus propios hijos se encarga de protegerle e investigar para ver quién está detrás del robo.

Pulp Fiction: Para mi una de las mejores películas que haya dirigido Quentin Tarantino, por sus diálogos, por su banda sonora y por su forma de contra la historia. La película comienza con un hombre y una mujer llamados Pumpkin (Tim Roth) y Honey Bunny (Amanda Plummer) en una cafetería, la cual se disponen a atracar. Después de los créditos, la historia sigue con unos «gángsters», Vincent Vega (John Travolta) y Jules Winnfield (Samuel L. Jackson), que son enviados por su jefe, Marsellus Wallace (Ving Rhames), al apartamento de unos rateros llamados Marvin (Phil LaMarr), Brett (Frank Whaley) y Roger (Burr Steers) a recuperar una extraña maleta cuyo contenido nunca es revelado. Al llegar al lugar recuperan la maleta y matan a Roger y a Brett.

Heat: Neil McCauley es un experto ladrón, uno de los mejores. Su filosofía de vida: no atarse en la vida a nada de lo que no te puedas desprender si las cosas se ponen al rojo vivo. Su banda de criminales es un grupo de profesionales muy cualificados que llegan a impresionar incluso al detective Vincent Hanna. Pero Hannah, un hombre cuyo trabajo es el centro de su vida, se obsesiona con ello, poniendo su relación sentimental al borde del desastre. Cuando la banda de McCauley prepara el golpe definitivo y el equipo de Hannah intenta evitarlo, ambos comprenden que se encuentran ante las mentes más brillantes a las que se han enfrentado.

La jungla de cristal 3: Un hombre que se llama a sí mismo "Simon" inicia una oleada de terror por las calles de Nueva York. Hará detonar una serie de bombas por la ciudad a menos que el agente John McClane acceda a jugar a un juego llamado "Simón dice". Con la ayuda de Zeus, un electricista del Harlem, comienza una trepidante carrera para averiguar las adivinanzas y las intenciones del terrorista.

Dos policias rebeldes: Un alijo de heroína valorado en unos 100 millones de dólares es robado del mismísimo depósito de la policía. El caso le será asignado a los agentes Burnett y Lowery, una pareja muy peculiar por los métodos que utilizan. La única pista que tienen para comenzar es la de una testigo que les ayudará a identificar a los atracadores, y a la que tendrán que proteger.

Seven: El detective Somerset (Morgan Freeman), se encuentra a días de jubilarse y le envían como reemplazo al detective David Mills (Brad Pitt). Juntos tendrán que resolver una serie de asesinatos cometidos por un psicópata letrado y metódico llamado John Doe (Kevin Spacey), que se basa en los siete pecados capitales para cometer sus grotescos crímenes. La película comparte trozos de cine negro, de "psycho thriller", de thriller de asesinos en serie y de las "buddy movies". A raíz del estreno de Seven se hicieron una serie de películas sobre psicópatas metódicos con un fin "intelectual" en su discurso, pero ninguno de estos filmes llegó a hacer sombra a Seven.

Ejecución inminente: A Steve, periodista "con olfato" pero problemático, le cae sin buscarla la última entrevista que concederá un condenado a muerte. A medida que conoce los detalles que significaron para Frank la condena a la pena capital, crece su convicción de que se ha cometido una monumental injusticia. De modo que, en una carrera contra el reloj, busca las pruebas que demuestren su inocencia.

Hora Punta: Dos detectives diferentes son asignados en un mismo caso. Ambos tendrán que adaptarse a las costumbres del otro para poder concluir su trabajo con éxito, pero no va a ser una tarea fácil. El detective inspector Lee (Jackie Chan) es el rey de las artes marciales y pertenece a la Royal Hong Kong Police. Su pupila preferida es la hija de once años del Cónsul chino, de la cual el inspector Lee es su guardaespaldas y su mejor amigo. Esta muchacha es capturada y llevada a los Estados Unidos por un peligroso grupo criminal. Hasta allí tendrá que viajar el inspector y, donde se unirá a la investigación con un departamento del FBI y, concretamente, al detective James Carter (Tucker), un arrogante e impulsivo agente de policía. La explosiva pareja tendrá que enfrentarse a una banda de criminales muy peligrosa, y contarán con la ayuda de Tania Johnson (Elizabeth Peña), una experta en artefactos explosivos.

Al caer el Sol: Harry Ross, un detective privado ya retirado, se presta a ayudar a unos antiguos amigos, una pareja de actores famosos de Hollywood en apuros. Pronto Ross se verá envuelto en una peligrosa y complicada intriga criminal.

Arma Letal 4: La pareja de policías formada por Martin Riggs y Roger Murtaugh vuelve a la carga para enfrentarse a un capo de la mafia asiática que ha extendido sus actividades a Los Angeles. En la investigación les ayudará un joven policía responsable de los quebraderos de cabeza familiares de Murtaugh, ya que ha dejado embarazada a su hija. En casa de Riggs, las cosas también se complican cuando su compañera espera un hijo y amenaza con hacerle pasar por el altar.

El coleccionista de huesos: Un diabólico asesino anda suelto por las calles de Manhattan. Sus brutales asesinatos dejan un rastro de mensajes crípticos escondidos en la escena del crimen, pistas que solamente una mente brillantes puede resolver. Mientras la ciudad está presa del miedo, Lincoln Rhyme, uno de los criminalistas con más prestigio de Estados Unidos, que ahora sufre las secuelas de un accidente grave en acto de servicio, investiga el caso con la ayuda de Amelia Donaghy, una policía experimentada, pese a su juventud, en la vida callejera neoyorquina. Ambos irán adentrándose poco a poco en la mente de un terrorífico demente, un asesino en serie que no dudará en atacar de nuevo... La próxima vez puede ser demasiado tarde.

Training Day: Alonzo Harris, un policía de Los Ángeles muy condecorado pero corrupto, tiene como nuevo compañero a Jake Hoyt, un agente novato y nuevo compañero de Alonzo que aspira a convertirse en parte de la unidad de Narcóticos.

Hora Punta 2: El detective James Carter se encuentra de vacaciones en Hong Kong con su buen amigo el detective Lee. Mientras Carter está ansioso por dedicarse a la juerga y las mujeres, Lee tiene que enfrentarse con un jefe de las Tríadas, responsable del asesinato de dos funcionarios de la embajada norteamericana. Conforme avancen en la investigación, descubrirán una trama de distribución de billetes falsos.

Deuda de sangre: Terry McCaleb, un veterano investigador del FBI, anda tras la pista de un psicópata apodado por lo medios de comunicación el "asesino del código". Tras visitar una de las escenas del crimen donde acaba de actuar, Terry le descubre entre la multitud, comenzando una persecución que le provocará un infarto de corazón y su retiro del servicio activo.

Insomnio: Will Dormer, un veterano detective de la policía de Los Angeles, viaja con su compañero Hap a un pequeño pueblo de Alaska para investigar el inquietante asesinato de una adolescente. Bajo la luz perpetua de la región, Dormer y Hap se van acercando al principal sospechoso, el novelista Walter Finch, que vive apartado del pueblo.

Dos policías rebeldes 2: Los detectives de narcóticos Mike Lowrey (Will Smith) y Marcus Burnett (Martin Lawrence) han sido asignados a un nuevo caso en Miami, donde un astuto narcotraficante (Jorge Mollà) ha iniciado una sangrienta guerra. Además la amistad de los dos agentes se complica cuando Mike empieza a sentir algo por la hermana de Marcus.

Hollywood - Departamento de homicidios: Dos agentes de homicidios del cuerpo de policía de Los Ángeles investigan el asesinato de un grupo de raperos durante una actuación. Uno de ellos es Joe Gavilan -un veterano detective con problemas de dinero y tres ex-esposas. El otro es K.C. un joven policía indiscipliando y con pocas luces. Las primeras investigaciones del caso apuntan a un jefe de un sello de rap que se rumorea arregló la muerte de los raperos artistas que se negaron a firmar un contrato con él.

Infiltrados: El Departamento de Policía de Massachussets se ve envuelto en una guerra campal para derrotar a la mayor banda de crimen organizado de la ciudad. La estrategia es terminar con el reinado del poderoso jefe de la mafia Frank Costello (Jack Nicholson) desde dentro. A un joven novato, Billy Costigan (Leonardo DiCaprio), criado en el sur de Boston, se le encarga infiltrarse en la mafia dirigida por Costello. Mientras Billy intenta ganarse la confianza de Costello, otro joven policía que también ha surgido de las calles del sur, Colin Sullivan (Matt Damon), sube rápidamente de categoría dentro de la policía del Estado. Colin, que se ha ganado un buen puesto en la unidad de Investigaciones Especiales, forma parte de un grupo de oficiales de élite cuya misión es acabar con Costello. Pero lo que sus superiores no saben es que Colin trabaja para Costello, y le mantiene un paso por delante de la policía. Cada uno acaba totalmente consumido por su doble vida. Pero cuando los gángsters y la policía se dan cuenta de que hay un topo entre ellos, Billy y Colin se encuentran en peligro constante de que les cojan y están expuestos al enemigo, y cada uno debe darse prisa en desvelar la identidad del otro para salvarse a sí mismo.

El cine a partir de los años 70 también cambió, uno de los directores que empezaron a cambiar el estilo de la comedia fue Woody Allen que en 1965 escribió el guión y apareció en un papel secundario en la película ¿Qué tal, Pussycat? (1965), una divertida farsa dirigida por Clive Donner y protagonizada por Peter Sellers, Romy Schneider y Peter O'Toole. Un año después debutó como director en Lili la tigresa (1966), aunque este título es sencillamente una adaptación en inglés de una mala película japonesa con nuevos diálogos escritos por Allen y puestos en boca de los intérpretes nipones.
En 1967 Woody aparecía en la parodia de James Bond, Casino Royale (1967), junto a David Niven, Peter Sellers, Ursula Andress y Orson Welles.

En 1968 rueda su primera película (primera película completamente escrita y dirigida por él y en la que también actúa), Toma el dinero y corre. Al comienzo fue difícil encontrar una productora que financiara el proyecto (costaba dos millones de dólares), Después de éste éxito, a Allen no le costó trabajo encontrar algún estudio que siguiera pagando sus películas, en 1970 firma un contrato con United Artists (productora creada por Charles Chaplin), comenzaría a rodar su segunda película Bananas.

Luego filmó El Dormilón (1973) construida como una sátira de las películas y los ideales futuristas, el cineasta neoyorquino evoca ambientes metálicos y situaciones absurdas, haciendo una comedia física (o slapstick) con una banda sonora jazzística compuesta por el propio Allen y su grupo de jazz de la época The New Orleans Funeral Ragtime Orchestra y La última noche de Boris Grushenko  (1975), Es una de las más destacadas comedias tempranas de Woody Allen como director, escritor y actor principal. Se trata de un homenaje/parodia a la literatura rusa, a la que el director neoyorquino tiene mucho cariño. Es una comedia alocada, en la que los personajes se debaten en discusiones filosóficas en los momentos más inoportunos, mezclando un hilarante espíritu humorístico con reflexiones profundamente existenciales.

Los años 80 continuaron ofreciendo importantes películas, entre ellas la bergmaniana La comedia sexual de una noche de verano (1982), siendo ésta la primera ocasión en que trabajó con Mia Farrow y la nostálgica Días de radio (1987). Luego en 1989 dirigió Delitos y faltas punzante, penetrante y mordazmente divertida, Delitos y Faltas es una historia que habla sobre la complejidad de las decisiones humanas y el pequeño microcosmos moral que éstas representan.

Otro de los directores que también me han gustado en cuanto a cine cómico ha sido Mel Brooks el cual no ha hecho una película seria en su vida salvo una de la que ya hablaré. Su entrada en el mundo del cine fue en 1968 con Los productores, siendo el director y el guionista. Da vida a un productor de musicales estafador y a un contable tímido y nervioso que encuentran la más grande estafa jamás creada: producir un musical cuyo fracaso es asegurado de forma de hacer más dinero que con un muscial exitoso. Ganó el Oscar al mejor guión en 1969.

Una de sus parodias más conocidas es sobre el clásico Ser o no ser, la película se llamó en España Soy o no soy, en la que interpreta el actor de teatro polaco que durante la Segunda Guerra Mundial tiene que actuar para salvar su vida y la de varios de los que le rodean en dicha comedia.

Entre sus obras más famosas se cuentan El jovencito Frankenstein (1974) protagonizada por Gene Wilder, Martin Feldman, Peter Boyle, Madeline Kahn, y Gene Hackman. El guión fue escrito por Brooks y Wilder. Es una parodia del cine de terror, en particular de las adaptaciones cinematográficas de la novela de Mary Shelley, Frankenstein, en concreto las producidas por Universal hacia las cuales esta película hace un cariñoso homenaje. Esto se refleja en el hecho de que la mayoría de las piezas del laboratorio son las mismas que las usadas en la película Frankenstein de 1931. Para reflejar más eficazmente la atmósfera de aquellas viejas películas, Brooks rodó la suya en blanco y negro.

Sillas de montar calientes (1974) una vez que la genial producción de Mel Brooks comienza, la lógica se pierde en una tempestad de gags, humor, juegos de palabras, peleas y espectaculares asaltos. Cleavon Little interpretando al nuevo sheriff, Gene Wilder como Waco Kid, el propio Brooks en el papel del necio gobernador y Madeline Kahn protagonizando una brillante parodia de Marlene Dietrich con la que obtuvo una nominación al Oscar de la Academia. De alguna manera, el Viejo Oeste ya nunca será el mismo.

La última locura (1976) para mi esta película es como un homenaje satírico al cine mudo norteamericano, en el que grandes estrellas como Paul Newman, James Caan, Liza Minnelli, Anne Bancroft, Marcel Marceau o Burt Reynolds se autoparodian.

La loca historia del mundo (1981) en esta divertida versión de la historia del mundo, Mel Brooks demuestra que nada es sagrado y ofrece una visión hilarante de lo que realmente ha pasado a través del tiempo. Es una visión irreverente de la evolución de la historia, desde la aparición del primer hombre hasta la Revolución Francesa. La Última Cena es captada a través de los ojos de un atormentado camarero. El Imperio Romano es más alocadamente corrompido de lo que DeMille jamás pudiera soñar. Se divulgan los secretos de la Revolución Francesa. E incluso los ritos tribales del hombre prehistórico.

La loca historia de las galaxias (1987) se trata de una parodia de numerosas películas, principalmente las de La Guerra de las Galaxias, Star Trek, Alien, El planeta de los simios, El mago de Oz, El puente sobre el río Kwai y Acorralado. Escenas miticas como la respiración de Lord Casco Oscuro, el peinado del desierto y decenas mas la convierten en un clasico de la comedia.

Hay otro director que también voy a nombrar porque ha llenado la gran pantalla de comedias muy conocidas como Los cazafantasmas o Los gemelos golpean dos veces, es Ivan Reitman sus primeros éxitos como director fueron las comedias Los incorregibles Albóndigas y El pelotón chiflado, que convirtieron a Bill Murray en una estrella. En 1984, Reitman realizó la exitosa película, Los Cazafantasmas película de 1984 de fantasía con algunos toques de ficción acerca de tres parapsicólogos quienes fueron expulsados de la Columbia University en Nueva York, debido a sus estudios y prácticas poco ortodoxas. Comienzan su propio negocio trabajando como cazafantasmas, e investigando fenómenos paranormales usando tecnología sofisticada para intentar capturar las manifestaciones ectoplasmáticas. La película fue un éxito de taquilla y se registró como la comedia más taquillera de la década.

La secuela de Los cazafantasmas fue titulada sencillamente Cazafantasmas II con el mismo elenco; Dan Aykroyd, Bill Murray, Harold Ramis, Ernie Hudson,Sigourney Weaver, Annie Potts y Rick Moranis, pero donde combatían al espíritu de un antiguo tirano eslavo. La película se estrenó en 1989 pero tuvo menos éxito de taquilla que su predecesora. Además, ha dirigido y producido Los Gemelos Golpean dos Veces, film que introdujo a Arnold Schwarzenegger en los papeles cómicos y ha dirigido también a Robert Redford y Daryl Hannah en Peligrosamente Juntos.

En 1979 y en 1989, por las películas Desmadre a la americana y Los gemelos golpean dos veces en la que Schwarzenegger y DeVito son dos hermanos completamente diferentes, separados al nacer tras un experimento científico fallido, y que desde niños han creído que eran huérfanos. Una vez adultos descubren su verdadero origen y parentesco, partiendo a la búsqueda de su madre biológica... obtuvo el Premio de la Selección del Público.

Luego están por supuesto muchas más comedias:

Bitelchus: personaje creado por el cineasta Tim Burton. Beetlejuice es un difunto que vive en el "No-Mundo", recreación del mundo real según la visión de los muertos. Beetlejuice trabaja precisamente como "exorcista de los vivos", es decir, ayuda a los fantasmas a echar de su hogar, o de cualquier otro lugar, a cualquier ser vivo que les pueda molestar. Este disparatado personaje fue el protagonista de una película con su nombre: Beetlejuice, estrenada en el año 1988, dirigida por su propio creador, Tim Burton, y protagonizada por el actor Michael Keaton, Winona Ryder, Jeffrey Jones, Catherine O´Hara... La película, de un delirante humor negro, fue un gran éxito por aquel año,recaudando solo en Estados Unidos 73 millones de dolares. Para mi una de las películas cómicas que más me han gustado de este director, aunque cuando la vi en el cine era un niño me asustó bastante esta película por los monstruos y fantasmas y recuerdo perfectamente que salí del cine aterrorizado pero mi madre y mi abuela partiéndose de risa, yo no entendía nada...ahora si lo entiendo.

La película narra la historia de una joven pareja (interpretada por Alec Baldwin y Geena Davis) que, luego de adquirir una hermosa casa en las afueras de la ciudad, sufre un accidente de coche en el que mueren, sin ellos sospecharlo. Un matrimonio nuevo, formado por la extravagante escultora Delia y su apocado marido Charles, junto con su hija Lydia, compra la casa y los fantasmas se ven deshauciados contra su voluntad, por lo que, tras descubrir su nueva naturaleza, piden ayuda a Beetlejuice, un desagradable, gritón y chapucero fantasma que tratará de echar a los vivos de la casa utilizando sus poco recomendables métodos.

Los fantasmas atacan al jefe es una comedia de 1988 que moderniza la novela de Charles Dickens, Cuento de Navidad. El film está producido y dirigido por Richard Donner, escrito por Mitch Glazer y Michael O'Donoghue y con Bill Murray en el papel principal. Un alto ejecutivo de una cadena de televisión es un déspota sin sentimientos. Además, odia las Navidades y hace todo lo posible por explotar a sus trabajadores. Un día, se le aparecen tres fantasmas uno del presente, otro del pasado y uno del futuro, que le hacen reflexionar sobre su actual vida.

Aterriza como puedas: Está protagonizada por Robert Hays, Julie Hagerty, Leslie Nielsen, Robert Stack, Lloyd Bridges, Peter Graves, Kareem Abdul-Jabbar y Lorna Patterson, producida y dirigida por Jim Abrahams, David Zucker y Jerry Zucker. Se estrenó en Estados Unidos el 27 de junio de 1980. Esta es la primera película que este trío dirigió en colaboración. Es una parodia de los filmes del genero de desastres que estuvieron de moda a finales de la década de 1970 (entre ellas la conocida Aeropuerto 75), pero especialmente de la película de 1957 Zero Hour!, a la que parodian casi palabra por palabra. Para poder hacer esto, los productores de Aterriza como puedas compraron los derechos de Zero Hour!.

Mira quien habla: es una divertidísima película que da voz a los pensamientos y preocupaciones de un bebé llamado Mickey, al que nadie excepto el público puede oír. Las situaciones más cómicas se suceden mientras su madre intenta encontrar un papá adecuado para él. Pero Mickey parece tenerlo muy claro, quiere que su papá sea James, un niñero muy especial. Fue protagonizada por John Travolta (James Ubriacco) y Kirstie Alley (Mollie). Bruce Willis interpretó la voz del hijo ilegítimo de Mollie, Mikey. La película también cuenta con las apariciones de George Segal como el cliente de Mollie, Albert, que también es el padre biológico de Mikey. Fue dirigida por Amy Heckerling.

De pelo en pecho, es una película protagonizada por Michael J. Fox que se estrenó en 1985, el mismo año que el gran éxito Regreso al futuro, también protagonizada por Fox. Scott Howard es un chico que va al instituto, y juega al baloncesto en el equipo, aunque nunca han ganado el campeonato. Es un chico un poco inseguro, la chica que le gusta, la típica rubia mala, pasa de él. Sus amigos y él van a una fiesta pero Scott se va a casa porque se encuentra mal; descubre que es hombre-lobo. Al utilizar sus poderes y convertirse delante de sus amigos empieza a ganar partidos y ser la estrella del instituto, pero sus mejores amigos no ven bien este cambio.

Entre pillos anda el juego: Comedia dirigida por John Landis en la que dos hombres de negocios sostienen distintas tesis sobre las condiciones de la naturaleza humana. Para uno es cuestión de genética, para el otro es cuestión de educación. Para corroborar sus teorías hacen una apuesta para lo cual cambian los destinos de dos personas socialmente antagónicas. Parábola social sobre la naturaleza humana y la educación. Una de las mejores comedias de Landis y un excelente ritmo y un reparto muy adecuado.

Loca Academia de Policía es el título de una larga serie de películas de cine de comedia, así como de la primera entrega de la saga. La serie comenzó con la película Loca Academia de Policía (1984), que comenzaba con una historia en la cual la alcaldesa Mary Sue Beal había anunciado una nueva campaña para reclutar personas para el departamento de policía aceptando a todos los reclutas que lo deseen. La película seguía a un grupo de extraños reclutas y sus intentos para probar ser capaces de ser oficiales de policía. El personaje principal, Carey Mahoney (Steve Guttenberg), era un delincuente reincidente que era obligado a unirse a la academia como castigo por sus delitos. La primera película de la serie recaudó 81,2 millones de dólares sólo en América del Norte. El resto de películas de la saga recaudaron unos 150 millones en total.

Superdetective en Hollywood es una película estadounidense del género comedia, dirigida por Martin Brest y protagonizada por Eddie Murphy, la cual fue nominada a un Oscar. La película disparó a Murphy al estrellato internacional donde se consolidó como un actor importante. El film ganó el premio People's Choice Award en la categoría Película Cinematográfica Favorita (1985) y fue nominada para un premio Globo de Oro por Mejor Película Cinematográfica - Comedia/Musical (1985). La película generó ganancias estimadas en dólares estadounidenses 234 millones en las taquillas, acercándose estrechamente al segundo mayor éxito de 1984 (siguiendo a Los cazafantasmas).

La Gran Aventura de Pee-wee es una película de 1985, dirigida por Tim Burton, y escrita por Paul Reubens, Phil Hartman, y Michael Varhol. La música original de la película fue compuesta por Danny Elfman. La película lleva el subtítulo "La historia de un rebelde y su bicicleta". Pee-Wee tiene una flamante bicicleta roja y blanca que es la envidia de los niños del barrio. Uno de ellos, su vecino Francis, intenta comprársela, pero Pee-Wee se niega. Pero algo terrible ocurre: Mientras Pee-Wee compra una bocina nueva, alguien le roba la bicicleta. En ese momento emprenderá una búsqueda incansable para encontrarla. Obtuvo un sorprendente éxito de taquilla, aunque como era de esperar dejó a la crítica dividida, algo que es normal en el cine de Tim Burton.

La mujer de rojo: Teddy Pierce (Gene Wilder) lo tiene aparentemente todo: una buena esposa, hijos, amigos y un buen puesto de trabajo en una agencia de publicidad. Un día se cruza con una mujer que viste un provocativo vestido de seda rojo. Teddy descubre que la chica es la modelo seleccionada por su agencia para una nueva campaña publicitaria. A partir de este momento, el sueño de Teddy será tener una aventura con ella. "Remake de 'Un elefante se equivoca enormemente', de Yves Robert, 1977.

Cortocircuito es una comedia de ciencia ficción de 1986 protagonizada por Ally Sheedy y Steve Guttenberg, y dirigida por John Badham. Está coprotagonizada por Fisher Stevens, Austin Pendleton y G. W. Bailey, con Tim Blaney poniendo la voz al robot Número 5. La historia trata de un robot llamado Número 5. Más tarde toma el nombre de Johnny 5 uno de los cinco prototipos de robots destinados para el uso del Ejército de los EE UU. Durante una demostración de los prototipos en los terrenos de la compañía propietaria de los robots, Laboratorios Nova, en Damon, cae un rayo sobre Número 5 y altera su programa, causando un mal funcionamiento. El robot escapa entonces de los terrenos de la compañía. Número 5 recaba en la casa de una amante de los animales, Stephanie Speck en Astoria, quien inicialmente cree que se trata de un visitante extraterrestre, hasta que se da cuenta de que se trata de un robot fabricado por Nova. Una secuela, Cortocircuito 2, fue realizada en 1988.

Cita a ciegas es una película de 1987 dirigida por Blake Edwards. Walter Davis (Bruce Willis) le da permiso a su hermano, Ted (Phil Hartman) para que organice una cita a ciegas con la prima de su esposa, Nadia (Kim Basinger). El acude con temor y descubre que Nadia es callada y tímida, pero Walter queda encantado con la chica que es un bellezón y los dos experimentan cierta incomodidad el uno con el otro. Sin embargo, según va avanzando la velada, Nadia comienza a beber y no obstante, la chica no tolera el alcohol y cuando bebe, pierde por completo el control y comienza a comportarse de una manera salvaje. Para emperorar la situación, el celoso ex-novio de Nadia y acechador, David, (John Larroquette) provoca más tensión al acechar a la pareja durante toda la noche.

Big: Josh Baskin tiene trece años pero, cansado de que las chicas no le hagan caso y de que sus padres le traten como a un niño, desea ser mayor. Una noche encuentra en una feria una vieja máquina en la que, echando una moneda, puedes pedir un deseo. Como era de esperar, Josh pide ser mayor. A la mañana siguiente, el niño se verá inmerso en un cuerpo de adulto, aunque descubrirá los problemas que conlleva asumir todas esas responsabilidades sin ninguna experiencia previa.

Socios y sabuesos: Scott Turner (Tom Hanks) es un detective de la policía obsesionado por el orden y la limpieza. Su vida cotidiana, aburrida y rutinaria, va a cambiar cuando le toca ocuparse de un caso de asesinato en el que el único testigo resulta ser Hooch; el tal Hooch resulta ser un perro con malas pulgas, desaseado, vulgar y desagradable, sobre todo para el detective. Pronto Turner descubre que hasta ese desharrapado chucho puede también ser el mejor amigo de un hombre como él.

Esta casa es una ruina es una película de 1986 dirigida por Richard Benjamin y protagonizada por Tom Hanks que interpreta a Walter que es un abogado de grupos de Rock and roll. Su pareja Anna trabaja en una orquesta de música clásica. Durante casi un año viven juntos en el apartamento del ex marido de Anna, Max. Pero ahora Max ha vuelto a casa y la pareja tiene que irse. Aunque estén sin dinero saben cómo obtenerlo, y descubren lo que parece una auténtica ganga, una gran mansión a un precio muy bajo. El problema es que ellos desconocen que la casa está prácticamente en ruinas y los esfuerzos para renovarla resultan desastrosos. Finalmente, la decisión de comprar y renovar la casa afecta la relación de la pareja.

Cuando Harry encontró a Sally: Estando en la universidad, Harry Burns (Billy Cristal) y Sally Albright (Meg Ryan) se conocen fortuitamente cuando ella se ofrece para llevarle en su coche en un viaje, entablando ambos una conversación sobre la amistad entre personas de diferente sexo. La charla acaba en discusión, pero entre ellos nace algo "especial". Así pasan los años, convertidos en un hombre y una mujer que se han pasado mucho tiempo intentando averiguar cómo seguir siendo amigos. Sin embargo, Harry tiene una firme creencia: que dos personas de sexo opuesto no pueden ser simplemente amigos; la relación siempre acaba en la cama o en el altar.

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El cine bélico está representado por películas que centran sus historias en guerras. Desde su invención, quedó patente que el cine podía ser un medio que permitiese llegar a grandes cantidades de gente de una manera rápida y relativamente sencilla. Estas cualidades convirtieron el invento de los hermanos Lumière en una herramienta al servicio de los gobiernos y de sus máquinas de propaganda.

Durante la Segunda Guerra Mundial, los países beligerantes siguieron utilizando la gran pantalla como vía para transmitir a sus tropas y habitantes el devenir de la campaña y conciencia de las necesidades para la victoria en el conflicto. Estos mensajes, generalmente en forma de noticiario, dieron un salto cualitativo en los EE. UU., donde se decidió utilizar el enorme potencial que ofrecía Hollywood, como una gigantesca agencia publicitaria.

En esta época, numerosos actores y directores contribuyeron al esfuerzo de guerra, realizando su trabajo habitual, ya fuese animando a las tropas o realizando documentales o películas que sirviesen para elevar la moral de los estadounidenses. El tipo de cine realizado en aquellos momentos está cargado (de un contenido propagandístico) y en las películas se tiende a mostrar el heroico sacrificio de los militares estadounidenses y sus aliados al hacer frente a las malvadas potencias del eje, enemigas de la paz, la democracia y la libertad.

Tras la guerra, el género bélico pierde su fuerza y no es hasta después de transcurridos unos años, cuando en los 60 una serie de grandes producciones que recreaban las grandes batallas de la contienda vuelven a revitalizar este tipo de cine. Las películas de esta época ya no hacen tanto hincapié en el sacrificio, aunque sí nos siguen mostrando a sus protagonistas como unos héroes convencidos de la bondad de sus creencias y seguros de que están haciendo lo correcto para mejorar el mundo.

Los violentos de Kelly es un película de guerra americana del año 1970, dirigida por Brian G. Hutton, y protagonizada por Clint Eastwood, Donald Sutherland, Telly Savalas, Don Rickles, y Carroll O'Connor. El original argumento de ésta película trata sobre un grupo de soldados americanos cínicos y hartos de la guerra que se embarca en un arriesgado plan para atracar un banco francés repleto de lingotes de oro situado tras las líneas enemigas.

El mayor acierto de esta película, aparte de retratar a un grupo de personajes muy bien definididos (cínicos, buscavidas, pesimistas, o alucinados), radica en una brillante combinación de eficaz puesta en escena, buenas escenas de acción y un corrosivo sentido del humor, desmitificador de la épica que suele rodear las historias del género bélico.

La guerra de Murphy es una película anglosajona de 1971 dirigida por Peter Yates, protagonizada por Peter O'Toole, como Murphy, y ambientada al final de la II Guerra Mundial. El argumento se basó en la novela del mismo título de Max Catto.

La parte del submarino alemán fue rodada con un submarino venezolano, USS Tilefish (SS-307)

Se desarrolla en la última etapa de la Segunda Guerra Mundial. Un submarino alemán (U-boat) hunde el barco donde viaja Murphy, en aguas sudamericanas del delta del Orinoco. Todos los tripulantes se ahogan menos Murphy (Peter O'Toole), y desde ese momento no piensa más que en la venganza hacia los nazis. De esta manera, mientras los alemanes se centran en reparar su submarino, Murphy tiene como único objetivo impedírselo.

Waterloo:Famosa producción de Dino de Laurentiis sobre las guerras napoleónicas, con un extenso reparto de primeras figuras de la época, miles de extras del ejército soviético y dirigido por Sergei Bondarchuk, que dos años antes había conseguido el Oscar a la mejor película extranjera para la Unión Soviética con "Guerra y Paz", adaptación de la novela de Tolstói. Dirigida por el soviético Sergei Bondarchuk y estrenada en 1970. Fue una coproducción soviético-italiana.

La película trata sobre la última batalla de Napoleón Bonaparte (Rod Steiger), la batalla de Waterloo, que significó su caída definitiva tras el periodo de inflexión conocido como los Cien Días.

La cruz de hierro de 1977 trata sobre un escuadrón de soldados alemanes, capitaneados por un duro oficial, lucha por sobrevivir en su enfrentamiento contra el ejército ruso en el frente este durante la Segunda Guerra Mundial. Con guión de uno de los responsables de "Casablanca" (1942), se trata de la única incursión del director Sam Peckinpah en el cine bélico. Defensor de mostrar la violencia como instinto natural del hombre, el fuerte contenido de algunas escenas le hicieron mercedor del apodo de "el sanguinario Sam" con el que fue bautizado. Protagonizada por James Coburn, James Mason, Maximilian Schell, David Warner, Senta Berger y Klaus Löwitch.

El cazador: Pensylvania, en un pueblo de emigrantes lituanos, la vida de un grupo de amigos quedará marcada al marchar tres de ellos al Vietnam. Tras ser capturados son obligados a participar en el macabro juego de la ruleta rusa, a pesar de escapar ninguno logrará superarlo. Hábilmente el director y el guionista Deric Washburn inciden en la pacífica vida de juergas y días de caza del grupo de amigos durante la primera hora la película y las repercusiones del regreso del personaje de Mike Vromsky ( Robert De Niro) como contrapunto y consecuencia respectivamente de la breve, en metraje, pero absolutamente precisa y demoledora descripción de esa máquina de destruir cuerpos y almas que es la guerra.

La ruleta rusa, metáfora de la actitud estadounidense en el conflicto, es tratada con realismo y crudeza, siendo destacable, por supuesto, el último duelo entre Mike y Nick interpretado por Christopher Walken en el que no se sabe si el premio es la vida o es la muerte. Walken ganaría la estatuilla al mejor actor secundario, dentro de un reparto en el que destacan también la bellísima Meryl Streep y el tristemente fallecido John Cazale con un personaje a la altura del patéticamente mítico Fredo Corleone. Sobre todos, claro está, la imponente figura de Robert De Niro, perfecto en el papel de un hombre impermeable aunque completamente destrozado por dentro.

Apocalypse Now es una película bélica dirigida por Francis Ford Coppola en 1979. El guión se basaba en la novela El corazón de las tinieblas (Heart of Darkness) de Joseph Conrad, aunque trasladando la acción a la invasión estadounidense de Vietnam. Ganó dos Oscar, a la mejor fotografía y al mejor sonido, y obtuvo seis candidaturas, al mejor director, a la mejor película, al mejor actor de reparto (Robert Duvall), al mejor guión adaptado, a la mejor dirección artística y al mejor montaje. También fue merecedora de la Palma de Oro del Festival de Cannes de ese año. En 2001 Coppola presentó, también en el Festival de Cannes, un nuevo montaje de la película, ampliada hasta las tres horas y media de duración, con el nombre de Apocalypse Now Redux. Si la primera película se convirtió en una película de culto, la versión de 2001 logró no defraudar a la crítica ni a los antiguos admiradores.

El capitán Willard (Martin Sheen) es enviado a Vietnam a un lugar de la jungla donde deberá localizar y matar al Coronel Kurtz (Marlon Brando), un ex boina verde que ha organizado su propio ejército y se deja adorar por los nativos. A medida que se adentra en la jungla en su viaje por el río, Willard se ve afectado fuertemente por los poderes de la naturaleza, por diversos conflictos bélicos, y por las infecciones y enfermedades. Sus compañeros se encuentran bajo el efecto de las drogas o sus propios miedos. Poco a poco Willard se convierte en un hombre similar a aquél que tiene que matar.

Otra vez, debido a la impopularidad de la guerra de Vietnam, el tema bélico cae, y no es hasta los 80 cuando vuelve a resurgir, al principio con películas más cercanas a la aventura en la que el héroe estadounidense vence en la pantalla como no pudo hacerlo en la selva.

El leon del desierto:Enfurecido y harto por los 20 años de lucha entre los patriotas beduinos y los colonizadores italianos, Benito Mussolini ordena al General Graziani capturar al líder de la resistencia: Omar Mukhtar.

La arrogancia del general imperialista chocará con el idealismo del líder beduino, por lo que, tras la grave derrota de las tropas italianas con un alto balance de heridos y muertos, empieza un reinado de terror en el que las tropas italianas no van sólo en contra de la guerrilla, sino también de la población civil.

A pesar de las duras represalias, la voluntad de los beduinos no flaquea. Desesperados por obtener la victoria y la aprobación de Mussolini, Graziani ordena aislar la población, prohibiendo cualquier entrada de abastecimientos e iniciándose así uno de los cercos más dramáticos de la historia. Protagonizada por Anthony Quinn, Oliver Reed, Irene Papas, Rod Steiger, John Gielgud, Raf Vallone, Andrew Keir y Gastone Moschin.

Evasión o victoria es una película de 1981 sobre un grupo de prisioneros aliados en una campo de concentración nazi durante la Segunda Guerra Mundial. La película fue dirigida por John Huston y protagonizada por Michael Caine y Sylvester Stallone. La película está basada en una presunta fuga en medio de un partido de fútbol. Es por ello, que el film cuenta con grandes figuras del fútbol como Bobby Moore, Paul Van Himst, Osvaldo Ardiles, Kazimierz Deyna y Pelé.

Un oficial alemán visita el campo de concentración de Gensdorff. Un grupo de prisioneros se encuentra jugando al fútbol, y al oficial, que fue jugador antes de la guerra, se le ocurre organizar un encuentro entre una selección alemana y los prisioneros. Los aliados en un principio se niegan, pero comprenden que puede ser una ocasión única para evadirse... por lo que terminan por aceptar el reto.

Acorralado: es la primer película donde aparece el personaje del atormentado veterano de la guerra de Vietnam, John Rambo, protagonizada por Sylvester Stallone como Rambo, Brian Dennehy como sheriff Will Teasle y Richard Crenna como Coronel Samuel Trautman.

Basada en la novela de David Morrell, Primera sangre (1972), la película, que no es del todo fiel a la novela original, fue dirigida por Ted Kotcheff, producida por Mario Kassar y Andrew G. Vajna, y estrenada el sábado 22 de octubre de 1982. John Rambo, antiguo boina verde miembro de las Fuerzas Especiales y con la Medalla de Honor del Congreso, tiene problemas para adaptarse a la vida civil y vagabundea por Estados Unidos; va a visitar a un antiguo compañero de armas y recibe la noticia de que éste ha muerto como consecuencia de los efectos de la guerra. A pocos días, la policía detiene a Rambo por vagabundo y se ensaña con él. Entonces recuerda las torturas que sufrió en Vietnan y reacciona violentamente.

Un pequeño grupo de policías sale en su busca para capturarle, pero son todos eliminados por Rambo, al ser especialista en técnicas de guerrilla. Entonces, el sheriff Teasle decide llamar a la Guardia Nacional. El antiguo oficial al mando de Rambo, el coronel Sam Traumann, advierte a las autoridades del riesgo de intentar capturar a Rambo, dada su experiencia en combate.

Revolución: En 1776 la guerra de Independencia de las colonias americanas contra la metrópoli, Inglaterra, acaba de estallar. Esta contienda es ajena a Tom Dobb (Al Pacino) que, junto a su hijo Ned, de catorce años, se gana la vida comerciando a lo largo del río con su modesta barcaza, constituyendo ésta su única vivienda. Un día, al llegar a los muelles de la ciudad, se encuentra con Daisy McConnahay, hija de un rico comerciante y entusiasta defensora de la causa americana. Azuzados por ella, los miembros del Ejército continental requisan la embarcación de Dobb para transportar tropas, dándole a cambio un "recibo" de dudoso valor. Tentado por las promesas de dinero y tierras, el joven Ned se une a los voluntarios americanos. Ante tal decisión, a Tom sólo le queda alistarse también con el fin de proteger a su hijo.

Rambo: First Blood Part II dirigida por George P. Cosmatos y estrenada el 24 de mayo de 1985, la segunda película de la saga de Rambo. Esta película muestra a Rambo (Sylvester Stallone) liberado de la cárcel (por sus delitos en la primera parte) por una orden federal y encargado de comprobar si en Vietnam aún quedan prisioneros de guerra estadounidenses. La misión parte de la convicción de que Rambo demostrará que la hipótesis de que aún quedan prisioneros es imposible, y el gobierno podrá zanjar la cuestión.

La película contó con un enorme presupuesto, 44 millones de dólares, y resultó un gran éxito. Con una recaudación de más de 150 millones, fue la segunda película más taquillera de 1985 (la primera fue Regreso al futuro). Esta película llamó la atención al entonces presidente Ronald Reagan, que elogió a Stallone por personificar a Rambo como símbolo del ejército de los Estados Unidos.

Fue elegida como Peor Película en los premios Razzie de 1985. También ganó en las categorías de Peor Actor, para Sylvester Stallone, Peor Guión, para Sylvester Stallone y James Cameron, y Peor Canción Original, para Peace in Our Life.

Platoon (1987): ganó 4 Oscar a la mejor película, al mejor director, al mejor montaje, y al mejor sonido. Nominados al mejor guión original, fotografía y actores secundarios (Willem Dafoe y Tom Berenger). 8 nominaciones en 1987 en el Festival de Berlín: Oso de Plata: Mejor director. Oliver Stone aúna su propia experiencia personal como soldado en la guerra de Vietnam, sus dotes de guionista y su innegable talento visual para rodar una brillante y potente película bélica sobre las andanzas de un pelotón americano en la guerra de Vietnam. Aquí Stone se centra en la crudeza de las batallas, y en la lucha interna entre las propias fuerzas americanas representadas por los sargentos Barnes y Elías (dos perfectos Dafoe y Berenger).

Un joven soldado norteamericano es enviado a la frontera entre Vietnam y Camboya para incorporarse a un pelotón que se encuentra allí destacado. Al poco de llegar, descubre la crueldad que supone esta guerra, y no sólo por los duros enfrentamientos con el enemigo, sino por las relaciones entre los propios compañeros.

Salvador: Oliver Stone sigue con su cine comprometido al narrar en "Salvador" la tragedia de las guerras civiles acontecidas en Centroamérica en los años ochenta. Inspirado en un hecho real, este duro drama recoge la experiencia personal de Richard Boyle, reportero norteamericano, durante su estancia en El Salvador en los inicios de la década de los años 80. El fuerte impacto que le causa desvelar poco a poco la cruda realidad que descubre por él mismo, y en la que sin darse cuenta estará cada vez más comprometido, hará que tome partido y llegue a sus propias conclusiones. Protagonizada por James Woods, John Savage, James Belushi, Michael Murphy, Elpidia Carrillo, Tony Plana, Colby Chester y Cindy Gibb.

La chaqueta metálica: película dirigida por Stanley Kubrick que mostraba con un claro mensaje pacifista, su particular visión del conflicto del Vietnam con guión del propio director, ayudado por Michael Herr y Gustav Hasford, el film, que se aposenta en una novela de Hasford denominada "The Short-Timers", se estructura en dos partes bien diferenciadas.

Absorbente y virulento retrato de un campamento de inexpertos marines, centrando la acción en tres caracteres desemejantes: un despótico y detestable instructor (incorporado por R. Lee Erney, antiguo marine en la vida real), un recluta regordete e inadaptado apodado "Patoso" (Vincent D'Onofrio) y el personaje central de la película , bautizado en el pelotón como "Bufón" (Matthew Modine), definido como manifestante concurrente de la locura bélica.

Good Morning, Vietnam es una película dirigida por Barry Levinson. Adrian Cronauer (Robin Williams) es un disc-jockey del Ejército del Aire de EEUU que viaja a Saigón con el objetivo de entretener a los soldados desplegados en Vietnam. En contraste con sus aburridos antecesores, Cronauer es pura dinamita, sus comentarios irreverentes, sus tacos e improperios y sus críticas al vicepresidente, le hacen ganarse el aprecio de las tropas. Al principio todo es diversión, pero poco a poco los jefes se darán cuenta de que sus comentarios a cerca de la guerra no son políticamente correctos.

El imperio del sol es una película de corte bélico, de gran belleza fotográfica y escénica y excelente argumento, producida y dirigida por Steven Spielberg. Está basada en el libro homónimo de J. G. Ballard escrito en el año 1984. La película de realización estadounidense fue estrenada en 1987. Está protagonizada por un entonces desconocido actor Christian Bale.

Es el año 1939, una familia inglesa acomodada vive en un exclusivo barrio de Shanghai (China), la vida es idílica, los empleados chinos mantienen el estándar de vida; sin embargo, todo cambia, la ocupación japonesa obliga a todos los extranjeros a abandonar China por un plazo determinado, expirado este plazo serán considerados enemigos.

La familia tiene un hijo, James (Christian Bale), un chico muy ingenuo pero inteligente que adora los aviones japoneses, y su curiosidad lo mete en más de un problema. La familia tiene que abandonar la ciudad y no sólo pierde sus posesiones durante la toma de Shanghai por los japoneses, sino que extravía a su hijo, James durante el éxodo. Después de pasar muchos periplos James, el hijo perdido, se allega a un par de americanos renegados y de dudosa calaña que van a dar al campo de concentración de Soo Chow, cercano a un aeropuerto militar chino ocupado por los japoneses. El norteamericano renegado muy particular se erige como líder de los anglodescendientes del campo (John Malkovich) y utiliza a James como estafeta. Con el tiempo, James se gana el respeto y reconocimiento de todos en el campo.

Rambo III, es la tercera película de la saga First Blood y la secuela de Rambo: First Blood Part II. Es una película de acción, estrenada el 25 de mayo de 1988.

La película trata sobre Rambo (Sylvester Stallone) en una misión en Afganistán. El Coronel Trautman (Richard Crenna) ha sido capturado mientras trataba de suministrar armas a los Muyahidines afganos para su lucha contra la Unión Soviética. Rambo es enviado para rescatarle, y sólo Rambo es capaz de salvarle de las atrocidades de la ocupación soviética. Con la ayuda de los Muyahidines Rambo rescata a Trautman y elimina a todos los comandos soviéticos de la región.

Bat*21 película bélica basada en hechos reales en la cual un aviador norteamericano cae con su avión en territorio del Vietcong. Sus compañeros tratarán de rescatarlo antes de que lo encuentre el ejército enemigo... y de que la zona sea bombardeada.

Película protagonizada por Gene Hackman, Danny Glover, Jerry Reed, David Marshall Grant, Erich Anderson y Clayton Rohner.

Corazones de hierro es una película estadounidense dirigida por Brian De Palma. Testigo de un crimen brutal durante la guerra de Vietnam, el soldado Eriksson (Michael J. Fox) se ve obligado a enfrentarse al resto de sus compañeros y al sargento Meserve (Sean Penn), un hombre enérgico y carismático desquiciado por el horror y la brutalidad de la guerra. Basada en una historia real contada en un artículo de un periódico americano. La película ayuda a reflexionar sobre el horror de la guerra y la vida de los combatientes, así como también de la propia naturaleza humana ante situaciones límite.

Romero: Interesante filme de protesta social que escarba en la vida y milagros del arzobispo salvadoreño Oscar Romero. Excelente Raul Juliá, un guión muy sólido y una dirección sumamente correcta. En 1977, en vísperas de las elecciones presidenciales de El Salvador, el candidato Ernesto Claramont promete a la multitud que no se repetirán los fraudes anteriores. Al día siguiente, el obispo católico Monseñor Óscar Romero y el padre Rutilio Grande atraviesan el barrio de chabolas de Aguilares, una comunidad en la que van de la mano la pobreza y la opresión gubernamental. Grande ha alertado a su gente para que acudan a votar, y él y Romero observan una comunidad de base que se encrespa desafiante ante la injusticia de la situación. De repente se informa a los dos religiosos que un autobús que transportaba votantes rurales ha sido atacado con armas de fuego. En el lugar de los hechos, el oficial al mando de una compañía de la Guardia Nacional sostiene que ha detenido el autobús para proteger a sus ocupantes de los guerrilleros comunistas.

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El género ha existido desde los comienzos del cine mudo, cuando el Le Voyage dans la Lune (1902) de Georges Méliès asombró a su audiencia con sus efectos fotográficos. Desde la década de 1930 hasta la de 1950, el género constía principalmente en películas de serie B de bajo presupuesto. Tras el hito de Stanley Kubrick de 2001: Una odisea del espacio de 1968, el cine de ciencia ficción fue tomado más en serio. A finales de la década de 1970, películas de presupuesto alto con efectos especiales se convirtieron en populares entre la audiencia. Películas como Star Wars o Encuentros en la tercera fase allanaron el camino de éxitos de ventas en las siguientes décadas como E. T.: El extraterrestre (1982). Películas como 2001 una odisea del espacio, Blade Runner y Tron examinaron los peligros de la tecnología avanzada.

Tron fue la primera película de Disney en la que se utilizó la animación por ordemador

En comparación con la década anterior, en los años 1960 hubo relativamente pocas películas de ciencia ficción, pero algunas de esas películas transformaron el género. 2001: Una odisea del espacio (1968) de Stanley Kubrick trajo un nuevo realismo al género con sus efectos visuales innovadores y un retrato realista del viaje espacial además de su influencia al género con su historia épica y sus aspectos filosóficos. Otras películas de la década fueron Fahrenheit 451 (1966) y El planeta de los simios (1968), que proporcionaban críticas sociales, y la extravagante Barbarella (1968), con Jane Fonda, que explorada el lado más infantil de la ciencia ficción.

Durante la década de 1970, gracias a los viajes tripulados a la Luna, resurgió el interés del cine de ciencia ficción. Solaris de Andrei Tarkovsky utilizaba técnicas visuales y comentarios filosóficos que recordaba a la película de Kubrick. Las películas de comienzos de la década exploraron el tema de la paranoia, en el que se representaba a la humanidad bajo la amenaza ecológica o tecnológica de su propia creación, en títulos como THX 1138 (1971), La naranja mecánica (1971), Silent Running (1972) y Almas de metal (1973). Tambíen hubo películas de suspense como Soylent Green (1973) y Futureworld (1976) que es la segunda parte de Almas de metal. En Logan's Run se representaba a una sociedad libertina que practicaba la eutanasia como una forma de control de población y en The Stepford Wives anticipaba una reacción del movimiento de liberación de la mujer, de cuya película veríamos un remake a modo de comedia protagonizado por Nicole Kidman en Las mujeres perfectas.

La naranja mecánica: En una futurista Gran Bretaña, Alex y sus drugos, una banda de jóvenes delincuentes, salen cada noche para disfrutar de la 'vieja ultraviolencia' y saciar su apetito sexual violando a indefensas mujeres. A razón de un pequeño problema dentro de la banda, Alex es traicionado por sus drugos y dejado a merced de la policía, la cual lo lleva a una prisión de alta seguridad donde Alex tiene que pasar una larga temporada. Pero un día se le presenta la oportunidad de acortar su estancia presentándose como voluntario a la nueva 'terapia de aversión', con la que se asegura que después de dos semanas la maldad ya no existirá dentro de su ser. Y así es. Es tal la 'terapia de aversión' que el pobre Alex, al menor signo de violencia siente nauseas y unas ganas terribles de morirse. Pero la sociedad no ha olvidado, y los muchos crímenes que cometió en su época dorada se cobrarán su venganza.

En 1977 se estrenaron Star Wars y Encuentros en la tercera fase que fueron grandes éxitos en taquilla y trajeron un aumento importante de películas de ciencia ficción. Además, Star Wars ayudó a difuminar la distinción entre géneros de fantasía, ciencia ficción y superhéroes. En 1979, Star Trek: La película trajo por primera vez una serie de televisión al cine. Las películas de Ridley Scott, como Alien y Blade Runner, presentaban un futuro caótico, oscuro y sucio y representaba a los extraterrestres y cyborgs como hostiles y peligrosos. En comparación, la película de Steven Spielberg, E. T.: El extraterrestre, uno de los mayores éxitos de los años 1980, presentaba a los extraterrestres como seres benignos y amistosos. También existen películas en las que los extraterrestres son hostiles llegan e intentan suplantar a la humanidad. Los extraterrestres pueden tener una fuerza abrumadora o aparentemente inofensivos. Alguna de estas películas sobre este tema es La invasión de los ultracuerpos (1978) cuyo film es ya un remake del ya conocido film del mismo título del año 1956.

Las adaptaciones de presupuestos altos de Dune de Frank Herbert y la secuela de 2001, 2010: Odisea dos, fueron fracasos en taquilla lo que disuadió a los productores a invertir en literatura de ciencia ficción. Durante la segunda mitad de la década de 1980, los principales contribuidores del género fueron James Cameron con The Terminator (1984) y Aliens, el regreso (1986) y Paul Verhoeven con RoboCop (1987) película que nunca me ha llegado a gustar personalmente. También se comenzó a utilizar la animación para el género de ciencia ficción, con ejemplos en la película manga japonesa Akira (1988) y la francesa Gandahar (1988).

MUCHAS OTRAS PELÍCULAS DEL GÉNERO DE CIENCIA-FICCIÓN

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Presenta un retrato preciso y profundo de una época y un ambiente, pero sobre todo es una crítica subrepticia a la sociedad norteamericana, las relaciones intrafamiliares, la práctica política y sus esquemas morales tratados sutilmente como trasfondo del guión mediante asuntos relativos al mundo de la mafia, la inmigración, la relación de pareja, los sistemas de dominación familiares, la violencia criminal y su asociación política.

Parte del atractivo visual y estilístico de la obra consiste en la interpretación de la figura de Michael Corleone. En la secuencia inicial de la película Michael se nos presenta con rostro angelical, incluso Coppola emplea filtros especiales que reducen sus arrugas y combinados con la iluminación y el maquillaje nos enseñan un Michael mucho más joven, recién abandonada la adolescencia. El brutal cambio que se opera en su alma cuando asume la herencia de sangre de los Corleone se refleja también en su rostro, que en la última escena es ya el de un hombre maduro, complejo, que mira directamente a los ojos y miente con todo su corazón.

Se ha llegado a criticar al director por ofrecer una imagen demasiado atractiva del mundo de la mafia.

El Padrino II es la continuación de la saga de los Corleone con dos historias paralelas: la sucesión en la familia a cargo de Michael Corleone protagonizado de nuevo por el genial Al Pacino y los orígenes del patriarca, el ya fallecido Don Vito interpretado por un grandioso Robert De Niro, primero en Sicilia y luego en Estados Unidos donde empezó a hacerse un nombre comenzando desde lo más bajo. Parecía "El Padrino" un film insuperable, pero el maestro Francis, consciente de su estado de forma, vuelve a deslumbrarnos entregando esta segunda parte que a mi modo de ver es muchísimo mejor que la primera parte. Es más compleja en estructura y, sobre todo, moralmente más interesante; narra cómo Pacino comienza un proceso autodestructivo de su familia intentando, precisamente, la salvación de la misma. Al igual que en la primera parte, podríamos hablar de su mítico reparto, de la música de Rota, de la maravillosa fotografía de Gordon Willis... pero la arriesgadísima jugada de Coppola fue alternar, magistralmente, la historia presente y pasada de la familia Corleone. Ya no estaba Brando, pero de Niro realizó una interpretación perfecta. Pacino siguió, por su parte, agrandando su mito como actor y su imperio como Padrino... con un alto precio.

Interiores: es un giro en la carrera de Woody Allen, dejando la comedia a un lado y metiéndose de lleno al melodrama, en un claro ejercicio fílmico que emula a su ídolo, el cineasta sueco Ingmar Bergman. Una familia formada por tres hermanas se ve en el doloroso proceso de la separación de sus padres. Con personajes bien construidos que se relacionan entre sí en espacios bellamente decorados y que en la superficie parecen estar bien, pero es precisamente en este hecho en el que la carga emotiva de los personajes se intensifica.

Se trata, además, del primer film en el que Allen sólo dirige, pero no actúa. A pesar de que fue fríamente recibida, la película obtuvo cinco nominaciones al Oscar. Woody Allen bromea que "es una película para europeos", acostumbrados a un cine más profundo, complejo en temáticas e incluso con un ritmo más lento.

Annie Hall es una excelente película de Woody Allen que significó un giro en su carrera cinematográfica, hasta ese momento marcada por obras de mayor carácter cómico y un contenido y estructura menos elaborado.

Se trata de una de las películass de Woody Allen mejor acogidas por Hollywood (por no decir la única) en toda su carrera ya que obtuvo cuatro premios Oscar a la mejor película, al mejor director, al mejor guión original y a la mejor actriz principal (Diane Keaton) y una nominación para Allen como mejor actor. Fue la segunda vez en la historia en la que una misma persona (Allen) era nominada para tres galardones (director, actor y guión), algo que sólo  había ocurrido hasta ese momento con Orson Welles por Ciudadano Kane.

Alvy Singer (Woody Allen) es un comediante de clubs nocturnos que a los 40 años hace un repaso de su vida tras romper con su última novia, Annie (Diane Keaton). Cuenta sus amores, sus matrimonios y en especial la relación con ella, a la que conoce tras un partido de tenis. Alvy es un tipo especial, algo neurótico, dominado por una serie de obsesiones que acaban por destruir cada una de sus relaciones.

La Rosa Púrpura de El Cairo: Son los tiempos de la Depresión y Cecilia se desloma trabajando como camarera en Nueva Jersey mientras su marido se dedica a hacer el vago. Su única vía de escape es el cine, al que acude una y otra vez para refugiarse de la realidad y soñar con un mundo de champagne, smokings y fiestas elegantes. Una noche, uno de los personajes de su película favorita, La rosa púrpura de El Cairo, se fija en ella y atraviesa la pantalla para conocerla. Interesantísima película, llena de imaginación y sentido del humor al más puro estilo Allen, con un reparto muy acertado Mia Farrow, Jeff Daniels y Danny Aiello para un mítico largometraje.

September: Allen nos introduce en las raíces de la soledad, aunque sea en una casa llena de gente. La protagonista, Lane (Mia Farrow), es una mujer depresiva, solitaria y con problemas económicos. Tras varios intentos de suicidio se ha ido a vivir al campo, a una antigua casa familiar. Tiene como inquilino a un escritor que busca tranquilidad para su novela. Uno de sus vecinos, un hombre maduro y viudo, está enamorado de ella, pero Lane cree tener futuro con el escritor. Este por su parte sólo se fija en una amiga de Lane, que está momentáneamente separada de su marido. Cuando están a punto de terminar las vacaciones y se acerca septiembre, llegan a la casa la madre de Lane y su actual marido. La tensión a la que se siente sometida Lane, centro de atención por sus problemas y catalizador de las relaciones entre los demás personajes, la hará replantearse nuevamente sus prioridades y su propia existencia.

Recuerdos cuenta la historia de Sandy Bates, director de cine especializado en comedias, asiste a una retrospectiva sobre su obra en un hotel de la costa. Mientras a su alrededor todo el mundo quiere conocerle y colmarle de halagos, Bates se refugia en su interior para repasar los instantes más significativos de su vida sentimental y buscar un sentido a su papel dentro de un mundo que cada vez le resulta más extraño e inhóspito.

Otra mujer: El escritor y director Woody Allen nos trae un poderoso drama, en el que nos muestra a una experta profesora de Filosofía que se encuentra a punto de conocerse a sí misma. Haciendo gala de un espectacular reparto, película estilísticamente rica y técnicamente perfecta, transcurre entre pasado y presente, diálogo y narración, realidad y metáfora, para conseguir una lucidez y composición prácticamente desconocidos en el cine americano. Inteligente, preparada y felizmente casada, Marion considera su vida plenamente llena... hasta que un casual encuentro con una turbadora desconocida le ofrece una breve pero desgarradora oportunidad para vislumbrar su propio vacío. Vagando a la deriva en un matrimonio sin amor y negando sus sentimientos por otro hombre, Marion queda conmocionada cuando conoce la infidelidad de su marido. Asumiendo esto como la señal definitiva para cambiar su vida, Marion se enfrenta entonces a toda la verdad de sus necesidades emocionales... y a la temible intensidad de una pasión que ha ignorado durante demasiado tiempo.

Alguien voló sobre el nido del cuco es una película basada en la novela One Flew Over the Cuckoo's Nest de Ken Kesey. La película, dirigida por Milos Forman cuenta con interpretaciones del grandioso y magnífico Jack Nicholson como Randall McMurphy y Louise Fletcher como la temible enfermera jefe. Cabe destacar apariciones de actores ya muy conocidos algunos secundones y otros no tanto como es el caso de Danny DeVito con pelo y todo en la cabeza, un magnífico Christopher Lloyd y un desconocido Vincent Schiavelli.

El graduado: película basada en la novela del mismo nombre de Charles Webb. Ganó un Oscar y obtuvo seis nominaciones, entre ellas la de Dustin Hoffman como mejor actor. Benjamin (Dustin Hoffman) acaba de graduarse de la universidad y vuelve a casa a pasar unas vacaciones. El matrimonio Robinson, amigos de sus padres desde hace años, se interesa por él. El marido quiere que salga con su hija Elaine (Katherine Ross), mientras que su esposa, la señora Robinson (Anne Bancroft) desea tener relaciones sexuales con él. Después de encontrarse varias veces con la señora Robinson, quien le prohíbe ver a su hija, Benjamin se enamora de Elaine. Cuando todo sale a la luz, Benjamin se encuentra solo y abandonado. Aun así, lucha para ver a Elaine y expresarle sus sentimientos.

La banda sonora de esta película está compuesta por canciones del dúo Simon and Garfunkel que fueron compuestas por Paul Simon. La mayoría de las canciones ya habían sido publicadas anteriormente, menos el éxito "Mrs. Robinson" que fue escrito para la película.

Cowboy de medianoche es una película basada en la novela del mismo nombre de James Leo Herlihy. Un relato ácido y desesperado de dos jóvenes que intentan salir de su condición de marginados. La banda sonora incluye la canción "Everybody's Talking" de Harry Nilsson. El filme ganó tres Oscar, a la mejor película, al mejor director, y al mejor guión adaptado, y obtuvo otras cuatro nominaciones, al mejor actor principal (Jon Voight), al mejor actor principal (Dustin Hoffman), a la mejor actriz de reparto (Sylvia Miles), y al mejor montaje. Además és la única película con calificación X que ha conseguido el Premio Oscar a la mejor película. Un jóven tejano viaja a New York para hacer fortuna como gigoló. Vestido de Cowboy intentará vivir de sus artes amatorias con mujeres adineradas de la ciudad. Sin embargo los sueños del autoproclamado “vividor”, se toparán con una cruda realidad que terminará compartiendo con un ladronzuelo de poca monta al parecer enfermo de tuberculosis.

Acción ejecutiva antecedente de la teoría de la conspiración de JFK (1991) de Oliver Stone, en esta fábula política se intenta elaborar una versión de cómo fue realmente el asesinato de Kennedy. Lo más relevante del asunto consiste en el guión de Dalton Trumbo, célebre por ser encarcelado durante la "Caza de Brujas" en los años 50 y ganador de dos Oscar por Vacaciones en Roma (1953) y El bravo (1956), aunque no pudo ser acreditado en ninguno de ellos por ser un proscrito en Hollywood.

Rodada en forma de docudrama, utilizando imágenes de archivo, fue una de las películas políticas en las que intervino Burt Lancaster, siempre dispuesto a causas liberales como el apoyo a los derechos civiles, concienciación contra el racismo y apoyo incondicional al Partido Demócrata.

Agnes de Dios cuenta la historia de Jennifer Tilly una monja que asegura haber sido visitada por Dios, y haberse quedado posteriormente embarazada. Fonda es una psiquiatra que decide investigar los misteriosos asuntos del convento para llegar al fondo del asunto, descubriendo unos secretos donde el asesinato parece no ser el único pecado. Película nominada a tres oscars de mejor actriz (Anne Bancroft), mejor actriz secundaria (Meg Tilly) y mejor banda sonora.

Alicia ya no vive aquí: Alice Hyatt, casada con un repartidor y madre de un rebelde hijo de once años, lleva una vida mediocre en Socorro (Nuevo México). Un día, conversando con su confidente y vecina, recibe la noticia de que su marido ha fallecido en un accidente de tráfico. A partir de ese instante se plantea cambiar totalmente de vida y, tras vender sus escasas pertenencias, se pone junto a su hijo camino de Monterrey (California), su tierra natal y el único lugar donde Alice puede convertir el sueño de su vida en realidad: continuar con la carrera musical que llevaba antes de casarse. La vida en la carretera le hará plantearse lo que ha sido por ahora su vida y lo que le queda, y si debe dejar de lado sus deseos para poder seguir criando a su hijo. Pelicula dirigida por Martin Scorcesse

 

Es sin duda la mejor película de Roger Spottiswoode, un realizador que después se perdería entre títulos comerciales que aportarían poco a su filmografía pero que en esta ocasión nos ofreció una obra que gana en intensidad según se va desarrollando la trama y que mantiene el interés de principio a fin ayudado por una impresionante banda sonora compuesta por Jerry Goldsmith.

Carros de fuego: En Gran Bretaña, en el año 1920, Harold Abrahams y Eric Lidell estaban hechos para correr. No sólo una razón les llebaba a correr más rápido que ningún otro hombre. Sus motivos eran tan diferentes como sus pasados; cada uno tenía su propio Dios, sus propias creencias y su propio empuje hacia el triunfo.

El club de los poetas muertos ganó un Oscar al mejor guión original y cuatro nominaciones, incluyendo mejor película y mejor actor (Robin Williams) es un drama universitario en el que un grupo de alumnos de un estricto colegio privado descubrirán la poesía, el significado de "Carpe Diem" -aprovechar el momento- y la importancia de perseguir los sueños gracias a un excéntrico profesor de métodos poco convencionales que les despierta las mentes. Excelente guión, espléndidamente interpretada por Robin Williams. Es una de las primeras películas en la que vi como protagonista a Williams sin tener que protagonizar ningún perosnaje cómico sino dramático.

Rain Man es uno de los mejores dramas protagonizado por Dustin Hoffman, con la interpretación también de Tom Cruise el cual no llega a las suelas de los zapatos del genial Hoffman el cual obtuvo un Oscar y un Globo de Oro por su increíble interpretación, quizá la más difícil de su deslumbrante carrera.

Charlie Rabbitt (Cruise), un joven sin corazón, espera recibir una considerable herencia tras la muerte de su padre, del que estaba distanciado. Sin embargo, alguien a quien Charlie no ha tenido en absoluto en cuenta, su hermano mayor Raymond (Hoffman), recluido en una institución médica, recibe toda la fortuna en el testamento.

Raymond en un "autista" con capacidad mental limitada en algunos aspectos, pero con dotes de genio en otros. Charlie le secuestra y durante el largo y accidentado trayecto en coche de regreso a Los Angeles, ambos aprenden mucho sobre la vida. Los hermanos van superando la desconfianza mutua y forjan una profunda relación a medida que comparten dolorosos recuerdos, los problemas del presente y la posibilidad de un brillante futuro juntos.

Taxi Driver es una película estadounidense de 1976 dirigida por Martin Scorsese y protagonizada por Robert De Niro. Esta cinta narra las peripecias de un ex-combatiente de Vietnam, Travis Bickle (Robert de Niro), quien comienza a trabajar como taxista en la ciudad de New York, incorporándose a la turbia vida nocturna de la ciudad. Esta gran película obtuvo la Palma de Oro del Festival de Cannes y es hoy considerada como una de las mejores de su década. En su reparto también figuran Harvey Keitel, Cybill Shepherd, una destacada Jodie Foster, con solo catorce años.

La fuerza del cariño cuenta la historia de una madre y su hija atraviesan por todo tipo de momentos; buenos y malos, tiernos y crueles, se enfrentan y se aman, en una comedia melodramática que, gracias a un brillante guión que evoca tanto lágrimas como sonrisas -todas muy calculadas pero efectivas-, consiguió un apabullante éxito de taquilla, crítica y público. Ganó cinco Oscars a la mejor película, al mejor director, a la mejor actriz (Shirley MacLaine), al mejor actor secundario (Jack Nicholson), y al mejor guión adaptado y obtuvo seis otras nominaciones, al mejor actor de reparto (John Lithgow), a la mejor actriz principal (Debra Winger), a la mejor dirección artística, a la mejor música, al mejor montaje, y al mejor sonido. Luego en los 90 se rodaría una segunda parte con MacLaine interpretando el mismo personaje.

Randle McMurphy cumple una larga condena en una granja-prisión y se las ingenia para ser trasladado a una institución psiquiátrica. Una vez allí, avisado por el resto de los pacientes sobre los tiránicos métodos de la enfermera jefe, Randle decide declarar la guerra a la señorita Ratchel. Tras una explosión de cólera de Randle, le aplican un tratamiento de electroshock. Pero para entonces ya se ha ganado a los internos...

Toro Salvaje narra la historia de Jake la Motta un joven boxeador que se entrena duramente, ayudado por su hermano y manager Joey, para convertirse en el número uno de los pesos medios. Pero sus complejos psicológicos y sexuales le llevan a manifestar su agresividad tanto dentro como fuera del ring. En medio de esta tormenta interior se encuentra su hermano, convertido en víctima de la enfermiza paranoia y los celos de Jake. Pronto consigue ver hecho realidad tan ansiado sueño, pero el triunfo y el éxito convierten su vida en una pesadilla. Por un lado, su matrimonio cada vez marcha peor debido a sus salidas nocturnas con otras mujeres; por otro, la mafia le presiona para que amañe combates. Película ganadora de dos Oscars al mejor actor (Robert De Niro) y al mejor montaje.

El color púrpura es una película que nunca me llegó a gustar por mucho que la dirigiera Steven Spielberg en el año 1985. La historia se centra en la vida de Celie, una joven muchacha de color, a principios del siglo XX. Celie tiene 14 años y esta embarazada de su propio padre. Partiendo de este momento, así se cuenta su difícil existencia durante treinta años más, El padre de Celie la vende a un hombre el cual la maltrata y la tiene esclava durante la mayor parte de su vida, en los que es separada de su hermana Nety, que es llevada a África.

Aquí podemos destacar las actuaciones de una aun desconocida (al menos para mi) Whoopi Goldberg descubierta por Steven Spielberg en este film, dando a conocer a todo un portento y genio del arte dramático. Nominada al Oscar y galardonada con el Globo de Oro por este papel, entre otros premios y a otro desconocido Danny Glover, como el marido maltratador.

Magnolias de acero es una comedia dramática coral que refleja una historia cotidiana, de amores y desamores entre un grupo de amigas en una pequeña ciudad norteamericana. En el centro de este grupo está Shelby Eatenton, recientemente casada y felizmente embarazada, sino fuera por el hecho de que su diabetes puede hacer peligrar la vida de su hijo. Ante esta posibilidad, ella busca el refugio en sus amigas. Cabe destacar un gran reparto en el cual aparecen Sally Field, Julia Roberts, Daryl Hannah, Dolly Parton, Shirley MacLaine, Janine Turner, Tom Skerritt, Kevin J. O'Connor, Jonathan Ward, Sam Shepard. Es una obra de teatro de gran éxito que fue llevada al cine por Herbert Ross, especialista en adaptar obras de Broadway.

Barry Lyndon es una película dirigida por Stanley Kubrick en el año 1975, y protagonizada por Ryan O'Neal y Marisa Berenson. Está basada en la novela del mismo título de William Makepeace Thackeray. Ganó cuatro Oscar, a la mejor dirección artística, a la mejor fotografía, al mejor vestuario y a la mejor música, y fue nominada a tres, a la mejor película, al mejor director y al mejor guión adaptado.

Redmond Barry (Ryan O'Neal) es un joven irlandés, decidido a convertirse en un hombre rico e importante. Se alista en el ejército británico y participa en la Guerra de los Siete Años en el continente europeo. Pronto deserta y se pasa al ejército prusiano, donde le convierten en espía. Después conoce a un caballero que se dedica al juego, y que le enseña el arte de las cartas. Barry usa todas las estratagemas y mentiras para subir en la escala social y se casa con Lady Lyndon (Marisa Berenson), una rica condesa. Adopta ese nombre y como Barry Lyndon se establece en Inglaterra, siendo un hombre rico e influyente. Sin embargo, con el tiempo su fortuna cambiará, por el intentar poseer un titulo de nobleza, cual su esposa tiene.

Uno de los nuestros: Henry Hill, hijo de padre irlandés y madre siciliana, es testigo de la vida de poder, honor y respeto que llevan los gangsters que habitan en su barrio, en una zona de Brooklyn donde son mayoría los emigrantes, y que está bajo la protección del patriarca de la família Pauline, Paul Cicero. Henry, a sus trece años de edad, desistirá de seguir yendo a clase, y fascinado por tal vida mafiosa, entrará a formar parte de la organización, comenzando por ser un mero chico de los recados para ir ascendiendo de posición a medida que fortalece la confianza que en él depositan los integrantes del hampa local, como el irlandés Jimmy Conway o el italoamericano Tommy de Vito, adentrándose cada vez en negocios más turbios. Ganadora de un Oscar al mejor actor secundario (Joe Pesci)

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El cine de terror se basa de la literatura de las supersticiones o de leyendas tradicionales, así como de temores y pesadillas nacidos de contextos socioculturales mucho más actuales y precisos. Por una parte, de la novela de terror, nacida en la segunda mitad del siglo XVIII; por otra, de la tradición oral del cuento de miedo, ampliamente desarrollada en las sociedades rurales de todas las culturas. De aquí, en último término, surgirán los elementos y personajes básicos utilizados en las películas de este género: los vampiros, el hombre lobo, los monstruos, fantasmas, brujas, zombis, así como las desdichadas réplicas humanas, a lo Frankenstein.

Otras señas de identidad del género son un uso muy particular de la iluminación, que muchas veces tiende a inspirarse en la pintura romántica alemana del siglo XIX, la cual se caracteriza por el recurso frecuente al claroscuro, a los contrastes de colores y los tonos penumbrosos, efectos muy apreciables en el cine expresionista de los primeros años (Murnau, Fritz Lang). Los espacios o escenarios más visitados serán la noche, la casa abandonada, el castillo, las ruinas, el laboratorio lúgubre, el bosque o el erial sombrío, el jardín decadente, que han terminado conformando un catálogo de "lugares" comunes. Asimismo, nunca debe faltar una banda sonora densa y sugerente (El resplandor, Psicosis, Tiburón...), junto a unos escalofriantes efectos de sonido (El exorcista, Alien, Drácula de Coppola...).

El público se siente atraído hacia este tipo de películas precisamente por los estímulos emocionales novedosos e intensos que recibe, es decir, lo insólito-escabroso inscrito momentáneamente en la rutina diaria. Los efectos fisiológicos que experimenta el espectador horrorizado en su butaca incluyen fuertes subidas de adrenalina, con dilatación de pupilas, aceleramiento cardíaco y respiratorio, y sudor frío, todo lo cual por lo común se cierra con un desahogo final, en el cual, de acuerdo con el remate que haya tenido la historia, reinará el consuelo o el desconsuelo.

El motor sensacionalista en estas películas es, en muchos casos, la exhibición de la crueldad, humana, bestial o sobrenatural, como representación del Mal, en cualquiera de sus muchas variantes, y esto explica que la gran competencia comercial en esta industria haya generado una escalada indiscriminada de contenidos truculentos en el género a lo largo de los últimos años.

Aparte del Mal y muy ligado a él, lo oculto o misterioso, como es lógico, define también al cine de terror como género, y lo hace tanto en el plano arquetípico como en su desarrollo escenográfico. Lo oculto sugerido sirve tanto para referirse a la temática del cine de terror (lo oculto del inconsciente criminal, lo oculto de los monstruos siempre escondidos en las entrañas de la sociedad, lo oculto de nuestras tendencias y deseos más inconfesables...), como a su caracterización y puesta en escena, a veces tendente, como en el suspense, a escatimar información al atribulado personaje, información ya conocida por el público, que, impotente en su butaca, espera angustiado acontecimientos. Otras veces se procede a la ocultación y sugerencia a través de la exacerbación engañosa del decorado, de la manipulación de la fotografía, del maquillaje, etc., o por medio de la más pura y simple privación de los elementos implicados, como en la técnica del fuera de campo (la escena terrorífica transcurre fuera del objetivo de la cámara, la cual se centra en sus aledaños; el espectador únicamente "la escucha" o imagina); la interposición del personaje entre la cámara y el elemento terrorífico, etc.

A principios de los años setenta encontramos dos ejemplos muy notables: El exorcista (William Friedkin, 1973), considerada por muchos críticos la película más terrorífica de la historia del cine, y la técnicamente magistral Tiburón (1975), de Steven Spielberg. El exorcista es una de las pocas películas del género que tuvo una buena acogida por parte del público, hasta el extremo de llegar a convertirse en un fenómeno cultural.

Probablemente, buena parte de su éxito se sustenta en la austeridad y realismo de la historia, así como en la dicotomía que en ella se plantea entre la ciencia y el laicismo contemporáneo, por un lado, y formas de creencia y religiosidad con carácter terrible aparentemente ya superadas. Inspirada en un supuesto hecho real, consiguió dos Oscar y cuatro Globos de Oro. Muchos años después, se reestrenó en cines con un nuevo montaje, que incluía escenas descartadas; a destacar la de la niña bajando las escaleras a cuatro patas con el torso del pecho hacia arriba y espalda hacia abajo como si de una araña se tratase (espeluznante totalmente)

En 1977 apareció una secuela llamada Exorcista II- El Hereje, misma que no tuvo éxito en taquilla, y que fue considerada como una pésima película, con una trama y diálogos ridículos en demasía y que creo qu eni merece la pena que recordemos ni quemencionemos.

En 1990, un tercer capítulo fue traído de la mano del mismo William Peter Blatty, creador de la original, basándose ésta vez en su novela Legión. (cual fue la verdadera secuela de el exorcista, con la historia del Padre Dyer y el Teniente Kinderman, y el reencuentro con quien creían muerto: el Padre Karras) Para William Peter Blatty la secuela a esta pelicula seria "The Ninth Configuration", llamada aquí El Exorcista III dirigida por él mismo en la que se cuenta la historia del astronauta amigo de la madre de Regan.

En 1990 salió una película llamada Repossessed (Reposeida), que aunque no es una continuación de la saga, es figurativamente un cuarto capítulo de la historia, ya que es una comedia con la misma secuencia del exorcista donde el actor Leslie Nielsen interpreta al cura que exorciza, y la misma Linda Blair es la poseida, pero ya siendo una mujer casada y con hijos, no se le puede considerar directamente un cuarto episodio puesto que el nombre del personaje de la protagonista no es el mismo que en la original (Nancy Aglet).

Una nueva veta explotada por el terror en esta década fue la de los poderes paranormales. El gran precedente en dicho terreno fue el filme

La mixtura de terror y ciencia ficción transitada en literatura por Lovecraft, reaparece con la excelente Alien (1979), de Ridley Scott, que narra la terrorífica lucha contra un monstruo extraterrestre indestructible a bordo de un carguero espacial. El filme dio origen a varias secuelas de calidad irregular.

Los años 80 estuvieron acaparados por los seriales de "terror adolescente", cintas sin grandes pretensiones artísticas aunque sí económicas, dirigidos a un público muy determinado. Esta modalidad sigue abarrotando salas en nuestros días. En 1980, se estrenaría Friday the 13th (en España y países hispanohablantes traducido como Viernes 13), de Sean S. Cunningham, arranque de una saga de películas en las que el gestor terrorífico es un salvaje asesino que actúa en la oscuridad. De 1984 es la primera entrega de Pesadilla en Elm Street, firmada por otro especialista, Wes Craven. La precursora de la modalidad había sido Halloween (1978), de John Carpenter, director igualmente muy proclive al género.

La serie Creepshow, de Stephen King y George A. Romero, pertenece también a esta época. Otros filmes interesantes: La cosa (1982), de John Carpenter; Re-animator (1985), de Stuart Gordon; Hellraiser (1987), de Clive Barker. El canadiense David Cronenberg acertó nuevamente de lleno con La mosca (1986, remake de una gran cinta de los años 50 protagonizada por Vincent Price), y con Inseparables (1988). Visualmente muy poderosa, la película de zombis Terroríficamente muertos (1987), de Sam Raimi. Cerraría esta década una de las mejores adaptaciones sobre la obra del novelista Stephen King: El cementerio viviente, de Mary Lambert (1989).

No deben olvidarse otros grandes hitos del cine de terror de calidad surgidos en el último tercio del pasado siglo: La semilla del diablo (1968), de Roman Polanski, La matanza de Texas (1974), de Tobe Hooper, La profecía (1976), de Richard Donner, El resplandor (1980), de Stanley Kubrick, Poltergeist (Tobe Hooper, 1982), Videodrome (David Cronenberg, 1983), etc...

Una de las películas de terror que más marcó mi infancia (y eso que no es que fuese apta para todos los públicos) fue Poltergeist - Fenómenos extraños, la primera vez que vi esta película pasé mucho miedo, sobre todo el mirarme en un espejo no fuese que se me callese la carne a trozos como en la película. Steve y Diane Freeling forman un matrimonio con tres hijos que, de repente, se ven envueltos en el centro de un aterrador fenómeno extraño. La primera en darse cuenta de la situación es la hija pequeña, Carol-Anne, que una noche baja al salón y se acerca a la pantalla de televisión. En ese momento siente la presencia de una fuerza misteriosa detrás de la pantalla. Es a partir de entonces, cuando se desencadenan extraños sucesos que culminan con la desaparición de la pequeña Carol-Anne.

Al parecer la casa había sido construida sobre un cementerio, se suponía que los cadáveres serian re-enterrados en otra parte, pero lo único que hicieron fue, mover las lápidas.

Poltergeist fue estrenada el 4 de junio de 1982 e inmediatamente se convirtió en una de las mejores películas de terror de la década, y tal vez de todos los tiempos. Basada en un episodio de la serie Twilight Zone, llamado "Pequeña niña perdida", Poltergeist hizo que todos lo pensaran dos veces antes de ver la imagen de la estática en televisión.

El filme Poltergeist estuvo a la vanguardia en su época. Fue una producción gigantesca, llena de efectos especiales, que capturó la imaginación de todo tipo de audiencias.

Otra película que me dió escalofrios fue Al final de la escalera en la cual una noche, el compositor John Russell se despierta bañado en sudor como consecuencia de una pesadilla, y vuelve a oír el extraño ruido procedente de una de las habitaciones del piso de arriba. Desde la terrible muerte de su familia, John ha estado viviendo en esa casa solitaria a la que se trasladó con la esperanza de recuperar la paz interior, pero paz es algo que no ha hallado, pues en numerosas ocasiones ha creído ver el cadáver de un joven. Cuando empieza a creer que ha perdido el juicio, registra la casa y descubre una entrada secreta a un antiguo cuarto infantil olvidado desde hace mucho, donde encuentra una silla de ruedas y una caja de música. John siente que allí ha sucedido algo terrible e intenta establecer contacto a través de un médium. La siniestra sesión de espiritismo revela que un espantoso crimen ha quedado sin vengar.

Una de las escenas que se me quedó grabada de esta película es cuando el protagonista tira una pelota no sé si a la basura o a una alcantarilla y en un momento dado en la casa escucha un ruido de algo y cuando se acerca a la escalera ve esa misma pelota bajando por las escaleras

La Profecía es una película de terror de 1976 dirigida por Richard Donner y protagonizada por Gregory Peck, Lee Remick, David Warner, Harvey Stephens, Billie Whitelaw, Patrick Troughton, Martin Benson, y Leo McKern. Está basada en una novela de David Seltzer. La película narra la historia de Damien, un niño que fue adoptado por un embajador de Estados Unidos al momento de nacer. La familia de Damien ignora que él es el hijo de Satanás y está destinado a ser el anticristo.

¿No os recuerda la portada a algo COPIADO?, pues si...Alex de la Iglesia copia parte de esta portada para la suya en El día de la Bestia

El niño que la verdad que es para asustarse con un niño así y con esa mirada empieza a dar muestras de una actitud extraña desde el comienzo de la película cuando una de las niñeras del niño se suicida delante de un montón de personas diciendo al niño que lo hacía por él, luego la aparición de la nueva niñera y el perro que protege al niño, el ataque de los monos en el zoológico cuando ven a Damien y cuando los padres van a la Iglesia y el niño lleno de pavor ataca a sus padres en el coche. El padre se da cuenta por sus propios medios que el niño es el anticristo cuando le corta parte del pelo de su cabeza y ve grabado los tres seis en su cabeza, posteriormente la madre muere en un accidente provocado por el mismo Damien y su bicicleta, lo curioso es que cuando alguien muere delante de él, Damien sonrie o pasa de la persona que muere...y el final de la película pues buenísimo...no lo cuento porque a lo mejor alguien no la ha visto...Es la primera película en mostrar una decapitación.

The Omega Man (El último hombre vivo) de 1971; es una película remake del film El último hombre sobre la Tierra protagonizado en 1964 por Vincent Price, este último basado en la novela I Am Legend (Soy Leyenda) de Richard Matheson. Esta película la protagonizó Charlton Heston siendo un remake que tomó como motor la premisa de la guerra fria y el miedo a los ataques nucleares enfocado en ese entonces en la desaparecida URSS que alcanzan su auge máximo en la Crisis de los misiles en Cuba y que dominaría gran parte de las dos décadas posteriores y que se reflejan burlonamente en producciones como Dr. Strangelove.

Sería en parte influenciada por La noche de los muertos vivientes de 1968 y el subgenero de los zombies aunque no de manera concisa.

Las escenas de la ciudad fueron rodadas en el centro de Los Ángeles. Los productores habían previsto construir grandes decorados con calles y tiendas desiertas, pero resultaron demasiado caros. Por ello se decidió realizar las tomas durante los fines de semana y a primera hora de la mañana.

Sin duda entretenida deja muchos aspectos fuera de la novela como la soledad, la definición del ser y la sociedad (el concepto de vampiro de los "resucitados", el temor a la cruz, el ajo y su perspectiva desde otras culturas), así como el cambio y la desadaptación a un mundo al que se es ajeno y que nos teme porque somos diferentes, del cual, el título aglomera en las palabras finales del libro: I am Legend.

MUCHAS OTRAS PELÍCULAS DEL GÉNERO DE TERROR

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El fin del planeta Krypton se acerca y Jor-El envía a su pequeño hijo a la tierra. Allí y adoptado por los Kent se convertirá en un superhombre con multitud de poderes. Cuando alcance la madurez se trasladará a Metrópolis en donde trabajará como redactor para el periódico Daily Planet y en donde se dará a conocer como Supermán...uno de los primeros super héroes que aparecieron en la gran pantalla en el año 1978

Más que aceptable adaptación del clásico héroe del cómic creado por Jerry Siegel y Joe Shuster. Grandes dosis de entretenimiento, buen pulso en la narración de Richard Donner, sin prisa pero sin pausa, agradecida tonalidad irónica e idónea caracterización del debutante Christopher Reeve como el hombre de acero, tomando como referencia para crear el personaje de Clark Kent, según palabras del propio Reeve, al Cary Grant de "La fiera de mi niña".

Aventura, amor, humor, ínfulas filosóficas, acción en lujoso formato y extenso reparto para una película centrada en una historia de Mario Puzo en la que destaca el protagonista Reeve, quien depara una magnífica encarnación del héroe y de Kent, consiguiendo desde el primer momento gracias a su empática actuación conectar la audiencia con las peripecias duales del personaje. Gene Hackman está soberbio en su cáustico papel de Lex Luthor y Marlon Brando, con una exigua pero multimillonaria aparición, aporta su presencia legendaria a esta lograda superproducción sobre el gran icono del cómic americano que cuenta con la partitura del omnipresente John Williams.

Se hicieron cuatro partes de Superman: Superman (1978) dirigida por Richard Donner, Superman 2 (1980) dirigida por Richard Lester, Superman 3 (1983) dirigida por Richard Lester y Superman 4: en busca de la paz (1987) dirigida por Sidney J. Furie (Para mi la peor película que se hizo de Superman), en todas ellas los actores eran los mismos, tanto Christopher Reeve como Gene Hackman (salvo en Superman 3) o como Margot Kidder repitieron mismo papel en toda la saga...salvo la nueva que se ha hecho actualmente Superman Returns.

En Furia de titanes la película comienza con Dánae, la hija de Acrisio (rey de Argos) y su bebé, quienes son arrojados al mar en una caja ya que el rey oyó en una profecía que uno de sus nietos le asesinaría en el futuro. Para evitarlo, arroja a madre e hijo a las profundidades del océano, de las cuales son salvados por Zeus, quien siempre estuvo enamorado de aquella mujer y es el padre del niño. En venganza, Zeus le exige a Poseidón que libere a la bestia llamada Kraken para que destruya toda la ciudad de Argos. El niño es llamado Perseo.

La película continúa relatando las aventuras del joven en sus batallas con Calibos, escorpiones gigantes, un perro de dos cabezas, la gorgona Medusa y el titán llamado Kraken, un monstruo marino. Entre los personajes mitológicos destaca Pegaso, el caballo alado con quien Perseo recorre el cielo con su escudo y espada, regalo de los dioses. En el río Stigio conoce a Caronte, el barquero que lleva a los muertos al inframundo, y que le conduce hasta la isla donde habita la gorgona. La animación corre a cargo de Ray Harryhausen, el cual haría en esta película su último trabajo y un plantel de actores veteranos encabezados por Laurence Olivier y Ursula Andress para interpretar a los dioses de la mitología clásica se presentaba este film de fantasía, que desgraciadamente no mantuvo el nivel en la pareja protagonista (Hamlin es conocido por su participación en la serie de TV la Ley de Los Ángeles). No obstante, la aparición de los personajes y leyendas mitológicas (una tras otra hasta completar casi todos los mitos clásicos: Zeus, Perseo, Medusa, Kraken, Pegaso...) y una historia con mucha acción se unen formando un film de aventuras entretenido, en la línea de otros films con los que el genial Harryhausen ya se diese a conocer en el pasado.

Los Goonies (1985), dirigida también por Richard Donner y escrita por Steven Spielberg, se ha convertido en una de las películas de culto de los 80, muy buena película de aventuras, tal vez no sea la mejor película producida por Spielberg pues tiene algunas fallas dentro del guión, pero es buena, es emocionante y es entretenida, posee excelentes efectos visuales, muy realistas para la época, los personajes se desarrollan adecuadamente en la trama, son muy graciosos y divertidos. La historia es muy original y creativa, el talento del director y de los productores es perfecto.

Mickey Walsh (Sean Astin que por cierto es el actor que encarna a Sam en El señor de los anillos) es un chico que vive con sus padres y su hermano (Josh Brolin hijo de James Brolin y que últimamente lo vimos en la película Planet Terror haciendo de médico) en Astoria (Oregón), un pueblo costero de los Estados Unidos. Su padre, se ve angustiado por los problemas que lo enfrentan a unos inversores que pretenden hacer un campo de golf en el barrio donde viven Mickey y sus amigos, Los Goonies. Una tormentosa tarde Mickey pasa el tiempo en su casa junto a sus amigos. Aburridos suben al desván donde encuentran una gran variedad de objetos antiguos y extraños. Entre ellos descubren sin querer un mapa que indica la ubicación de un supuesto tesoro perteneciente a un tal "Willy el Tuerto", un pirata desaparecido con su tripulación hace muchos años. El grupo decide entonces ir en busca de ese tesoro que podría solucionar económicamente el problema por el que esta pasando el padre de Mickey y que en caso de no resolverse podría derivar en la disolución de "Los Goonies" como grupo. La búsqueda del Tesoro los llevará a una aventura bajo tierra escapándo de las trampas de los piratas y de los Fratelli, una familia de gánsters que ansían hacerse también con el botín.

Dentro del Laberinto, es una película de fantasía rodada en 1986, dirigida por Jim Henson y protagonizada por dos notables excepciones en el reparto, que está en su mayoría conformado por títeres y seres fantásticos: Jennifer Connelly (actriz que ya ha salido en películas como Una mente maravillosa, Requiem por un sueño Hulk, en la patética Dark Water, en Diamante de sangre) y David Bowie (Jareth el Rey de los Goblins), que además escribió e interpretó algunas de las canciones incluidas en el film. La película contó con el respaldo y la producción ejecutiva de George Lucas. Muchas de las características y personajes en la película están basados en diseños hechos por Brian Froud, quien ya había colaborado previamente con Jim Henson en Cristal oscuro. Cabe mencionar que el hijo pequeño de Froud, Toby Froud, interpreta a Toby, el hermanito menor de Sarah.

Sarah se queda encargada de cuidar a su medio hermano Toby. El pequeño no deja de llorar y Sarah en un arranque de enojo le pide al Rey Goblin, un personaje de su libro favorito, que se lleve a su hermano. Finalmente su deseo se cumple y el Rey Goblin, Jareth, se muestra ante ella diciéndole que para recuperar a su hermano tiene 13 horas en las que debe de resolver su laberinto y llegar hasta su castillo para evitar que Toby se convierta en un goblin. Jareth trata de impedir que Sarah llegue a la meta, la pone a prueba con juegos mentales, difíciles acertijos e innumerables trampas a lo largo del difícil laberinto, que cambia constantemente. Sarah se encuentra en una encrucijada en la que debe decidir su camino en la vida, es decir, enfrentarse a la realidad de que ya no es una niña.

Los creadores reconocen influencias de obras como: Alicia en el País de las Maravillas (Alice's Adventures in Wonderland), El mago de Oz (The Wonderful Wizard of Oz), y algunos trabajos de ilustradores como Maurice Sendak y Maurits Cornelis Escher. Algunos de los titiriteros que trabajaron en el proyecto se fueron posteriormente a trabajar en estudios de animación por computadora.

La banda sonora incluye temas instrumentales de Trevor Jones, entre los cuales se incluyen Into the Labyrinth, Sarah, Hallucination, Goblin battle, Thirteen O'Clock y Home at Last  y cinco canciones de David Bowie: Magic Dance, Chilly Down, As the World Falls Down, Within You y el sencillo lanzado para la película: Underground.

La divertida y simpática interpretación de Paul Hogan convirtió a "Cocodrilo Dundee" en el gran éxito de taquilla de 1986. Michael Dundee, apodado Crocodile Dundee (Paul Hogan), es un cazador de cocodrilos en un lugar alejado de Australia. Casualmente llegan noticias sobre él a los Estados Unidos y un periódico de Nueva York decide enviar a un periodista para realizar un reportaje sobre ese exótico personaje. Finalmente es la hija del editor, Sue Charlton (Linda Kozlowski), la que viaja a Australia. Después de enviar varios reportajes sobre Dundee al periódico, y a la vista del éxito que tienen, decide llevárselo a Nueva York para que el público lo conozca mejor. En la gran ciudad todo resulta nuevo y extraño para el cazador australiano, pero en las situaciones extremas se desenvuelve bien. Por otra parte surgen sentimientos entre Dundee y Sue, aunque Sue ya tiene un novio.

En los años 80 tuvieron mucho éxito, especialmente a raíz de las películas de Indiana Jones, títulos que mezclaban la aventura, el humor y el romanticismo.
Desde Australia el ya talludito Paul Hogan encontró un relativo triunfo internacional en la piel de Cocodrilo Dundee, un hombre blanco criado al estilo aborigen que terminará viajando a una gran ciudad sin haber vivido previamente más allá de su minúsculo microuniverso, es decir, algo parecido a “Tarzán en Nueva York” pero sin el taparrabos ni la mona Chita.

El insubstancial aspecto humorístico se aposenta en las típicas situaciones derivadas del “pez fuera del agua”, del individuo sacado de su contexto habitual (aquí repartido en los personajes masculino y femenino), y el romanticismo más que previsible en su tríangulo en la atracción de polos totalmente opuestos, con unos personajes, al margen del principal, derivativo, muy flojamente perfilados.
El tercero del lote suele acabar dando más pena que otra cosa en su papel de antagonista sin personalidad, más allá de su superficialidad, caricatura y tontería vanidosa.

El contraste entre la vida natural y la urbana sirve para contemplar hermosos paisajes, atisbar de soslayo costumbres propias del lugar, establecer una leve sátira a la hiperpoblación y aglomeración anónima de la gran ciudad, en esta caso Nueva York con plano de las extintas torres gemelas incluidas.
El film, increíblemente nominado al Oscar como mejor guión original, cuando la originalidad y el ingenio brillan sobremanera por su ausencia, está dirigido por el debutante Peter Fairman, quien ya había trabajado con Hogan en su programa televisivo de humor. La pareja protagonista de la aventura se enamoraría y unos años después contraerían matrimonio.

Hablar de Bud Spencer y Terence Hill suele ser un ejercicio que se queda en la superficie de su talento y su aportación al mundo del cine. Renovadores absolutos de la comedia en un momento, los años 70, en que el género parecía anquilosado, Bud Spencer y Terence Hill se inscriben en la lista de nombres que, junto con Blake Edwards y Jerry Lewis, consiguieron, durante esos años, darle nuevos aires.

Bud Spencer es el pseudónimo de Carlo Pedersoli. Nació en Nápoles en 1929 y, como todo gran actor que se precie, aterrizó en el cine sin querer. Porque Carlo tiene estudios de Químicas en la Universidad de Roma y es licenciado en Derecho, realiza viajes a Estados Unidos y Sudamérica en los que amplía sus inquietudes culturales. Además, fue un gran nadador. Consiguió ser durante diez años campeón de Italia en los 100 metros libres y representó a su país en los Juegos Olímpicos de Helsinki (1952) y Melbourne (1956) en natación y waterpolo. Una personalidad de este talento no podía pasar desapercibida en el mundo del cine. Tras hacer algunos cameos poco serios en los que Carlo se fijaba detalladamente en los matices interpretativos de los actores del celuloide, en 1967, Giuseppe Colizzi le ofreció protagonizar su película Tú perdonas… yo no. Desde que Griffith descubriera a Lillian Gish, el mundo del cine no había asistido al descubrimiento de un talento similar. Carlo tuvo que cambiar su nombre y se puso Bud Spencer;con ese alias, consiguió su sueño de rendir homenaje haciendo aún más internacional a su admirado Spencer Tracy.

Terence Hill (Mario Girotti) tiene, por su parte, una biografía más ajetreada y un tanto marcada por la tragedia, lo que se trasladaría a la pantalla. Terence nació en Venecia en 1939. Con un desarrollo intelectual inferior al de Bud (sólo estudió Literatura Clásica Latina en la Universidad de Roma durante tres años), pero con una conciencia mayor del sentido último de la existencia (uno de sus hijos murió en accidente de coche), tras algunas apariciones en películas como El gatopardo de Visconti, decidió hacer cine de verdad y aterrizó también en Tú perdonas… yo no, plantando la semilla, junto con Bud Spencer, de lo que sería una de las páginas más gloriosas del Séptimo Arte.

Como vemos, dos personas preparadas, con un talento enorme, dos diamantes en bruto a los que sólo hacía falta pulir. Tras limar esta riqueza en películas de importancia únicamente testimonial e historiográfica, su reconocimiento tanto artístico como comercial les llegaría en 1970 con Le llamaban Trinidad, de E.B. Clucher (Enzo Barboni).

Western complejo donde los haya, con un dibujo de personajes que huye del maniqueísmo, y un montaje que no esconde los aspectos de la vida cotidiana de los protagonistas, “Le llamaban Trinidad” es uno de los más claros exponentes del llamado “spaghetti western”. La película tuvo un éxito arrollador y sentó las bases de una fórmula que repetirían en un sinfín de grandes películas, sin caer (y aquí radica la grandeza del arte de Terence Hill y Bud Spencer) en la monotonía ni la redundancia.

Mucho se ha hablado de los puñetazos de Bud Spencer y Terence Hill. Si bien ambos tienen estilos definidos y diferenciados (el primero más visceral e inmune a los golpes recibidos, el segundo más vulnerable pero también más inteligente), pocas veces se ha reparado en esta circunstancia, de la misma manera que, incomprensiblemente, poquísimo se ha hablado de sus influencias. El golpe constituye, desde los orígenes del cine cómico, un elemento primordial de transgresión. Desde las películas de Chaplin, Keaton y Laurel y Hardy hasta las de Bud Spencer y Terence Hill se desarrolla toda una línea de cómicos en todas las manifestaciones de la cultura popular del siglo XX que utilizan el golpe como expresión de descontento del orden social impuesto. Terence Hill y Bud Spencer (al igual que Asterix y Obelix) no dan mamporros de forma gratuita. Siempre golpean a malvados sin escrúpulos, gángsters corruptos o, simplemente, desaprensivos que intentan abusar de los más desfavorecidos y de los débiles. Los films de Terence Hill y Bud Spencer son auténticas bombas de relojería cargadas de mensajes subversivos y revolucionarios.

A “Le llamaban Trinidad” le siguieron una serie de películas en que el humor de ambos se iba haciendo más complejo y, también, ciertamente más melancólico y desesperado. Veamos sus obras más significativas.

- Y si no, nos enfadamos (1973). Otra de las cimas de su filmografía. Terence Hill y Bud Spencer se enfrentan a un peligroso clan de mafiosos por haberles destrozado el coche. Bajo este leve pretexto narrativo, la película desarrolla una serie de valores como el triunfo del trabajo y la voluntad, la camaradería y la amistad o la necesidad de que se imponga la justicia. Todo esto sazonado con algunas secuencias antológicas de humor y con la presencia de un secundario de lujo como Donald Pleasance. Sin olvidar hilarantes líneas de diálogo que actúan de contrapunto cómico en la gravedad de las situaciones.

- Par impar (1978). Tras realizar Dos misioneros y Dos superpolicías en las que abordan con humor dos temas tan delicados como el de la religión y la seguridad ciudadana, se embarcan, a las órdenes de Sergio Corbucci, otro de sus grandes directores, en esta película que disecciona con la sutileza de un bisturí la corrupción en el mundo del juego y, por extensión, la naturaleza corrupta del ser humano. Película dotada de muy mala leche en la que no salvan a nadie de la quema, la estructura sigue una progresión que permite al espectador zambullirse en ese mundo de degradación moral.

En los 80, Terence Hill y Bud Spencer ahondan en sus temas favoritos: el valor de la amistad por encima de todo (Quien tiene un amigo, tiene un tesoro), las reivindicaciones ecologistas (Estoy con los hipopótamos) o la denuncia social (Dos superpolicías en Miami).

Con la llegada de los 90, el peso de la edad no perdona, y Bud Spencer y Terence Hill se ven obligados a abandonar, a pesar de alguna última incursión de poco éxito comercial.

MUCHAS OTRAS PELÍCULAS DEL GÉNERO DE AVENTURAS

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No era, por supuesto, un género completamente inédito. Tenía antecedentes en títulos como San Francisco (1936), sobre el terremoto que asoló la ciudad californiana, o como Huracán (1937), del maestro John Ford, cuyo desastre titular transcurría en la Polinesia, y que fue rehecha con el mismo título en 1979, al final del ciclo del «disaster film»; y la propia Aeropuerto era ya un remake de una oscura película de Byron Haskin de 1959, Jet Over the Atlantic.

Un precedente más cercano, por supuesto, era el ciclo de ciencia-ficción de los años 50, con sus tarántulas, mutaciones e invasores extraterrestres: como supo ver Susan Sontag en un ensayo titulado precisamente «La imaginación del desastre», aquel cine fantacientífico no estaba muy interesado en la ciencia, lo que le concernía era una estética de la destrucción. La principal diferencia con el ciclo de los 70 es que el cine de desastres es «realista» (los desastres son naturales o revelan un colapso de la tecnología) y que no suele tener -con excepciones como el Tiburón (1975) de Spielberg- como protagonista al tradicional héroe individualista del cine americano, en ocasional alianza con las fuerzas institucionales: aquí es la sociedad civil en microcosmos la que debe cerrar filas y, olvidando al disidente héroe del cine del nuevo Hollywood contra el que en el fondo supone una reacción, juntar sus fuerzas para tratar de sobrevivir a la crisis que amenaza a toda la cole